Maxie Fischer ist Fotografin und Forscherin. Seit Anfang 2019 arbeitet sie an ihrer Promotion mit dem Arbeitstitel Michael Schmidt: Graue Ästhetik. Fotografische Praxis und künstlerischer Diskurs. Im Fokus ihrer Forschung steht die Ästhetik einer grauen Fotografie in Kontrast zur Farb- und Schwarzweißfotografie. Ihr Interesse gilt Ausstellungen und Publikationen als Form der Visualisierung und Untersuchung des Verständnisses von künstlerischer Fotografie. In den letzten Jahren war sie an vielen Ausstellungsprojekten beteiligt. Zuletzt war sie für die documenta 14 als leitende Referentin für die Deutsche Presse in Athen und Kassel zuständig. Im Anschluss daran hat sie als stellvertretende Leitung der Kommunikationsabteilung die digitale Kommunikation für den Martin-Gropius-Bau konzipiert und aufgebaut. Darüber hinaus hat sie an Ausstellungen wie der documenta 13, der Bergen Assembly und dem Berlin Documentary Forum mitgewirkt und für Institutionen wie das Humboldt-Institut für Internet und Gesellschaft gearbeitet.

Im Rahmen ihres Schloss Wiepersdorf-Stipendiums wird sie ein Teilprojekt ihrer Promotion bearbeiten. Die Serie Ein-heit besetzt eine Schlüsselposition in Michael Schmidts Schaffen: in keiner anderen Arbeit hat er so grundlegend die (Ab-)Bildfunktion der Fotografie und damit einhergehende Formen der Geschichtskonstruktion hinterfragt.

Hagen Verleger lebt als freier Graphikdesigner, Künstler, Forscher und Herausgeber in Berlin. Sein Studium absolvierte er an den Kunsthochschulen in Kiel, Leipzig und Maastricht. Als Typograph und Buchgestalter ist er hauptsächlich für Künstler*innen, Kulturinstitutionen und Verlage tätig. Seit 2010 entwickelt er künstlerische Arbeiten zu den Themen Archiv, Autorschaft in der Gestaltung, Fiktion und Realität und Institutionskritik. Er war an Gruppenausstellungen im In- und Ausland beteiligt. 2017 war er Artist-in-Residence an der Jan van Eyck Academie / Margaret van Eyck Academie in Maastricht und 2020 Artist-in-Residence in der Narva Art Residency, Estland, sowie Fellow am Deutschen Literaturarchiv Marbach.

Derzeit bearbeitet er ein Dissertationsvorhaben an der Schnittstelle von Medien-, Literatur- und Buchwissenschaft.

Bild: Hagen Verleger, "Margaret van Eyck", 2017; orangefarbenes Vinyl auf bemalter Wand, ca. 80 cm × 550 cm

Dr. Alex Nowitz ist Vokalperformancekünstler sowie Komponist von Vokal-, Kammer- und elektroakustischer Musik, zahlreichen Kammermusikstücken, zwei Orchesterminiaturen, zwei abendfüllende Opern (Staatstheater Braunschweig 2013; Theater Osnabrück 2006), multidisziplinäre Installationskonzerte (fabrik Potsdam 2008; Reaktorhallen Stockholm 2018) sowie Musiken für Tanz- und Sprechtheater. Letztere z.B. führten zur Zusammenarbeit mit Künstlern wie dem Regisseur Thomas Ostermeier an der Schaubühne Berlin. Alex Nowitz ist ebenso Gesangkünstler, Tenor, Countertenor und Pfeifvirtuose, der mit zahlreichen Musikern, Sängern und Komponisten aus verschiedensten stilistischen Bereichen zusammenarbeitet, zuletzt im September 2019 mit dem Jazzpianisten Michael Wollny an der Alten Oper Frankfurt. Nowitz entwickelt zahlreiche Soloformate, in denen er eine am STEIM in Amsterdam entwickelte Live-Elektronik einsetzt, das gestengesteuerte und berührungsempfindliche ‚Strophonion‘. Er trat auf international renommierten Festivals auf, z.B. im Januar 2019 beim Eröffnungsfestival 100 Jahre Bauhaus in der Akademie der Künste Berlin oder im November 2019 beim Audio Arts Festival in Krakau. Im Februar 2019 verteidigte er zudem erfolgreich seine Doktorarbeit Monsters I Love: On multivocal arts an der Universität der Künste in Stockholm, in der er die Möglichkeiten zur Erweiterung der Performance-Stimme auslotet.

Im Rahmen seines Stipendiums beabsichtigt Nowitz ein Werk mit dem Titel Chronotopes zu komponieren, eine Schizophonie für fünf Stimmen, acht Instrumentalisten und Live-Elektronik. Die Arbeit zielt darauf ab, vokale Performance-Kunst, Instrumentalmusik und Choreografie miteinander zu verbinden. In die Partitur geschriebene choreografische Elemente bilden einen inhärenten Bestandteil der Komposition, in der die Korrelationen zwischen zeitbezogenen (griechisch: ‚chronos‘) und räumlichen Leistungen (griechisch: ‚topos‘) untersucht werden.

Im Showcase
'Vielstimmige Stimme und Klangtanz'. Ein Ferngespräch zwischen Alex Nowitz und Matthias Osterwold
'über die kulturlose zeit'. Ein Essay von Alex Nowitz
'Der Geist Von Gestern'. Eine Komposition von Alex Nowitz

Inci Güler ist als Museumspädagogin tätig und Gründungsmitglied des Dinner Club TDD (Tischlein deck dich), der 2007 gegründet wurde.

Im Rahmen des Kooperationsstipendiums wird sie – gemeinsam mit Gülsüm Güler und Lisa Schweizer – an der Publikation TDD – Tischlein Deck Dich arbeiten.

Im Showcase
TDD Apropos Apéro Schloss Wiepersdorf. Ein Videoporträt

Phillip Zach ist in Cottbus geboren. Von 2007 bis 2009 studierte er an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg, von 2009 bis 2012 an der Städelschule in Frankfurt. Von 2014 bis 2019 lebte er in Los Angeles. Derzeit arbeitet Phillip Zach an einem Projektvorhaben mit dem Arbeitstitel Hunger nach Sand. Im Jahr 2020 bereist er verschiedene Orte, an denen er den Abbau von Sand und andere Phänomene dokumentiert, die im Zuge der Globalisierung auftreten. Seine Reise führt ihn nach Brandenburg, Indien, China, Hawaii und die Bay-Area, wo er auf Menschen trifft, die sich alle auf ihre eigene Art mit diesen Konflikten auseinandersetzen.

Im Rahmen seines Stipendiums möchte er das bis dahin entstandene Videomaterial editieren und das Thema medial erweitern.

Im Showcase
Formation Processes. Über die Arbeiten von Phillip Zach. Ein Text von Julia Mullié

Elvira Garifzyanova stammt aus einer Familie professioneller Musiker. Sie studierte an der Musikfachschule für hochbegabte Kinder am staatlichen Konservatorium in Russland und später am selben Konservatorium Klavier und Komposition. Es folgten weitere Studien in Komposition und elektronischer Musik in Deutschland und in der Schweiz. Im Jahr 2012 schloss sie einen einjährigen Kurs in Musikinformatik am IRCAM-Institut für Forschung und Koordination in Akustik/Musik in Paris ab. Sie erhielt verschiedene Preise und Stipendien internationaler Wettbewerbe und Künstlerresidenzen und arbeitet mit internationalen Musikern, Ensembles und Orchestern zusammen. Ihre Kompositionen wurden bei zahlreichen internationalen Festivals für neue Musik aufgeführt, u.a.: Archipel-Festival Genf; Musikbiennale Zagreb; Giga-Hertz- Preis-Festival ZKM Karlsruhe; 20. Neue Musik-Festival Sound Ways in St. Petersburg; Russische Kulturtage in Freiburg 2017; EXPO Milano 2015; 40. Antifonia-Festival in Cluj-Napoca; next_generation 4.0-Festival ZKM Karlsruhe; Festival der Künste in Zürich; Mixtur-Festival Barcelona; Inaudita-Festival für Alte Musik Pisa; CEME-Festival Tel Aviv; EviMus – 4. Saarbrücker Tage für elektroakustische und visuelle Musik. Ihre Stücke wurden außerdem in folgenden Häusern aufgeführt: Center for New Music San Francisco; IRCAM Paris; Megaron – The Athens Concert Hall; Tonhalle-Orchester Zürich; Kultur-Casino Bern; Elastic Arts Chicago; Budapest Music Center; Arnold Schönberg Center Wien; BKA-Theater Berlin; Schloss Solitude, Stuttgart; Saal Bâtiment des Forces Motrice, Geneva.

Während ihres Stipendiums wird Elvira Garifzyanova an neuen Kompositionen arbeiten. In ihrer Arbeit geht es ihr um das Experimentieren mit akustischen, instrumentalen und elektronischen Klängen, um deren spezifisches Potential für weitere Entwicklungen zu entdecken. Diese Klänge, die mit spieltechnischen und räumlichen Möglichkeiten in Verbindung stehen, werden analysiert und beschrieben, um sie als spezifische musikalische Ressource nutzbar zu machen und in neue Werke kompositorisch einzubinden.

Suki Kims New York Times Bestseller-Sachbuch Without You, There Is No Us: Undercover Among the Sons of North Korea Elite ist eine literarische, investigative Reportage über Nordkoreas jüngere Geschichte. Kim ist Journalistin, Roman-Autorin und vermutlich die einzige Schriftstellerin, die je unter falscher Identität in Nordkorea lebte, um dort ‚undercover‘ zu recherchieren. Geboren und aufgewachsen in Südkorea, reist Kim seit 2002 nach Nordkorea. Während ihrer zehn Jahre dauernden Recherchearbeiten wurde sie Zeugin der Feierlichkeiten zum 60. Geburtstag von Kim Jong II sowie zu seinem Tod im Alter von 69 Jahren. Im Jahr 2011, während des letzten Jahres der Herrschaft von Kim Jong II, verbrachte sie sechs Monate in Pjöngjang und lebte dort unter anderer Identität mit der zukünftigen Führungselite des Landes zusammen. Dadurch erhielt sie seltene Einblicke in die Psychologie der Elite dieses Landes. Ihr erster Roman Die Dolmetscherin gewann einen PEN Open Book Award und war nominiert für einen Hemingway-Preis des PEN. Ihre Artikel erscheinen in der New York Times, der Washington Post, Harper‘s, The New Yorker sowie der New Republic, wo sie auch als Redakteurin tätig ist. Ihr Artikel für The Cut über sexuelle Belästigung beim Radiosender WNYC wurde von Longreads als beste investigative Berichterstattung 2017 ausgezeichnet. Ihr Enthüllungen führten zur Entlassung altgedienter Moderatoren und Programm-Macher und schließlich zum Rücktritt des Präsidenten von WNYC. The Land of Darkness, Kims Essay über Angst für Lapham’s Quarterly, wurde für The Best American Essays 2018 ausgewählt. Sie war Guggenheim-Stipendiatin in der Sparte Belletristik, Fulbright-Stipendiatin in der Sparte Sachbuch und Open Society-Stipendiatin der George Soros Foundation. Zuletzt war sie Berlin Prize Fellow an der American Academy, Ferris-Professorin an der Princeton University und Radcliffe-Fellow an der Harvard University.

Im Jahr 2020 wird sie die Arbeit an einem neuen Buch abschließen, in welchem sie Parallelen zwischen der jüngeren Vergangenheit Deutschlands und der des geteilten Koreas reflektiert.

Tatiana Gerasimenok ist Komponistin, Forscherin und Multi-Künstlerin. Sie lebt in Leipzig und Moskau. In ihrer Arbeit interessiert sie sich für die Verbindung verschiedener Kunstformen als Prototyp der Koexistenz verschiedener Sinne des menschlichen Körpers. Sie wurde in Weißrussland geboren und schloss ihr Studium an der Mogilev Rimsky-Korsakov-Musikhochschule als Musikwissenschaftlerin ab. Sie studierte Komposition am Moskauer Tschaikowsky-Konservatorium. Im Jahr 2019 wurde sie als Komponistin für das MATA-Festival in New York ausgewählt und wurde u.a. als Stipendiatin in das Künstlerdorf Schöppingen sowie das Künstlerhaus Salzwedel eingeladen. In 2018 nahm sie an dem Projekt No Medici bei den Internationalen Darmstädter Ferienkursen teil. Sie gewann den Kompositionswettbewerb ‚ad libitum‘ (Baden-Württemberg) und den Kompositionswettbewerb ‚Temporality of the Impossible‘ (Belgien/England). Ihre Werke wurden 2018 im Radio Pulsar CISM in Montreal gespielt und in der Ausstellung Sound Graphics zusammen mit anderen grafischen Partituren in der Russischen Nationalbibliothek in Sankt Petersburg gezeigt. Außerdem wurde sie als Komponistin eingeladen an die Académie Voix Nouvelles der Abtei Royaumont, die Akademie Schloss Solitude in Stuttgart, die EBMF Internationale Sommerakademie für junge Komponisten in New York sowie die 6. Internationale Akademie für junge Komponisten in Tschaikowski, Russland.

Im Rahmen ihres Stipendiums wird sie an einem Stück für großes Ensemble arbeiten, in welchem sie die Urzeit mit der jüngsten Zeit der Menschheit zu verbinden sucht. So werden wildes und instinktives menschliches Verhalten und archaische Klänge mit den neuesten Technologien und der modernen menschlichen Realität kombiniert.

Lloyd Corporation ist ein Gemeinschaftsprojekt der Künstler Ali Eisa (*1987, UK) und Sebastian Lloyd Rees (*1986, NOR). Sie arbeiten seit 2010 zusammen und nutzen Skulptur, Installation, Performance und Partizipation, wobei sie sich oft von informellen und lokalen Ökonomien inspirieren lassen.

Die Arbeit von Lloyd Corporation nimmt durch ortsspezifische Recherche und die Sammlung materieller Kultur Gestalt an; sie untersucht dabei die Werte, Widersprüche und materiellen Auswirkungen des Kapitalismus auf die Stadtlandschaft. Zu ihrer Praxis gehören auch partizipatorische Arbeiten, die diese Themen und Prozesse im Dialog mit dem Publikum und den Gemeinschaften untersuchen. Diese verschiedenen Entstehungsprozesse zielen alle auf ein gemeinsames Ziel ab: komplexe, abstrakte sozioökonomische Themen – wie Globalisierung und Stadtentwicklung – sichtbar zu machen, zu verorten und mit unserem Alltagsleben zu verbinden.

Zu den ausgewählten Ausstellungen und Projekten gehören: Person to Person, Carlos/Ishikawa (2020); Local to Global, Carlos/Ishikawa (2018); For Some Future Time, South London Gallery (2018); Bankrupt. Bulk Buy. Liquidation. Repossession, Frieze Live, London (2017); Driftwood, or how we surfaced through currents, Fondazione Prada, Athen (2017); Developing Landscapes, Pump House Gallery (2016); Mirror City, Hayward Gallery (2014).

© Lloyd Corporation; Photo: Trisha Ward (2017)

Dr. Tanya Zaharchenko ist Literaturwissenschaftlerin, zurzeit ist sie an der University of Oslo in Norwegen tätig. Ihre Forschungsschwerpunkte sind kulturelle Erinnerung und Trauma, Identität, Nation(en), Grenzen und Abgrenzungen sowie Konfliktnarrative. Sie war 2015 Albert-Einstein-Stipendiatin in Deutschland und veröffentlichte 2016 ihr Buch Where Currents Meet: Frontiers in Post-Soviet Fiction of Kharkiv, Ukraine. Sie hat in internationalen Zeitschriften und Sammelbänden publiziert. Ihren Doktortitel im Fach Slawistik erwarb Tanya Zaharchenko 2014 an der University of Cambridge; sie machte ihren Master of Science an der University of Oxford im Jahr 2007 und ihren BA am Bard College im Jahr 2003.

Im Rahmen des Projekts Art in a Conflicted World, gefördert vom Auswärtigen Amt, wird Tanya Zaharchenko ihre Forschung über die zeitgenössische Literaturlandschaft der Ukraine vorantreiben und in den drei Kontexten Traumatologie, Erinnerungsstudien und Literaturanalyse arbeiten. Nachdem sie die Kategorie ‚synchrone Kriegsromane‘ in ihrem jüngsten Artikel in der Slavic Review (https://doi.org/10.1017/slr.2019.95) eingeführt hat, untersucht sie weiterhin kulturelle, intellektuelle und literarische Antworten auf den Krieg in der Ostukraine.

Der 1982 in Kiew geborene Künstler, Autor und Aktivist Nikita Kadan studierte bis 2007 an der Nationalen Akademie der Bildenden Künste in Kiew in der Klasse für monumentale Malerei.

Seit 2004 ist er Mitglied der Künstlergruppe R.E.P. 2011 wurde Nikita Kadan mit dem Pinchuk ArtCentre-Preis und 2014 mit dem ‚Special Prize of the Jury of The Future Generation Art‘ ausgezeichnet. 2014 war er in der Gruppenausstellung The Ukrainians in der DAAD-Galerie in Berlin zu sehen, 2015 stellte er u. a. im ukrainischen Pavillon der Venedig-Biennale aus.

Das künstlerische Repertoire des ukrainischen Künstlers erstreckt sich von Installation, über Grafik und Malerei hin zu Wand- und Plakatgestaltung im öffentlichen Raum. So vielfältig wie die Medien sind auch die interdisziplinären Kooperationen, die er mit ArchitektInnen, MenschenrechtsaktivistInnen und SoziologInnen eingeht.

In seiner jüngsten Ausstellung Projects of Ruins im Jahr 2019 in Wien setzte er sich mit den aktuellen gesellschaftspolitischen Entwicklungen in der Ukraine und deren Grundlagen im Sowjetkommunismus auseinander.

Mirzali Akbarov, geboren 1955 in der Region Ferghana, Usbekistan, studierte am Staatlichen Pädagogischen Fremdspracheninstitut in Taschkent, der heutigen Weltsprachenuniversität. Er war zunächst Schullehrer für Englisch und arbeitete später als Korrespondent und Abteilungsleiter für eine Zeitung. Weitere zehn Jahre lang war Mirzali Akbarov Leiter und Chefübersetzer des Deutschen Dienstes von Radio Taschkent International (RTI).

Nunmehr ist er als freischaffender Übersetzer deutscher und deutschsprachiger Literatur tätig. Neben Kurzgeschichten und Erzählungen von Wolfgang Borchert, Friedrich Christian Delius, Stefan Zweig und Thomas Mann hat er vor allem Hermann Hesses Steppenwolf, Johann Wolfgang Goethes Maximen und Reflexionen und Über Pädagogik von Immanuel Kant aus dem Deutschen ins Usbekische übersetzt.

Als Germanist und freischaffender Literaturübersetzer war er mehrmals zum Studienaufenthalt in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Er ist Mitglied der Internationalen Hermann-Hesse-Gesellschaft in Calw.

Während seines Stipendienaufenthaltes in Wiepersdorf wird er sich der Übersetzung des Briefromans Goethes Briefwechsel mit einem Kinde von Bettina von Arnim widmen.

Nezaket Ekici, geboren 1970 in Kırşehir/Türkei, wanderte im Alter von drei Jahren mit der Familie nach Deutschland aus. In München studierte sie von 1994–2000 Kunstpädagogik (Abschluss Magister) an der Ludwig-Maximilians-Universität. Zeitgleich studierte sie Kunsterziehung auf Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste München. Von 2000–2004 absolvierte sie ihr Diplom und war Meisterschülerin in Performance bei Prof. Dr. Marina Abramović an der Hochschule der Bildenden Künste Braunschweig. Ihre Werke und 250 verschiedene Performances präsentierte sie in mehr als 60 Ländern auf vier Kontinenten, in über 170 Städten, in unterschiedlichen Museen, Galerien und auf Biennalen. Sie war 2013/2014 Stipendiaten in der Kulturakademie Tarabya in Istanbul und im Jahr 2016/2017 Stipendiatin der Deutschen Akademie Villa Massimo in Rom. 2018 erhielt sie den Paula Modersohn-Becker-Kunstpreis, 2020 wurde Sie für das Kulturaustauschstipendium des Berliner Senats für die Teilnahme am Residenzprogramm des ISCP in New York ausgewählt.

Bei ihren Arbeiten konzentriert sich die Künstlerin auf Themen wie Identität, Religion, Kunstgeschichte und Architektur. Die Ideen für Ihre Arbeiten entstammen dem Alltagsleben, der gesellschaftlichen und kulturellen Atmosphäre, und präsentieren sich als Performances und Installationen. Die Künstlerin setzt ihren Körper als Erzählinstrument ein. Sie lebt und arbeitet in Berlin, Stuttgart und Istanbul.

Während des 3-monatigen Stipendiums in Wiepersdorf wird die Künstlerin die Video-Performance Apeiron Forest – Apex (AT) im Schlosspark und im angrenzenden Wald realisieren. Mit der Arbeit schließt sie an die Fotoarbeit Apeiron Forest an, die 2007 in Schloss Wiepersdorf entstanden ist.

Sergey Khismatov wurde 1983 in St. Petersburg, Russland, geboren und studierte an der Europäischen Universität St. Petersburg. 2010–2012 besuchte Khismatov Kompositionsseminare von Prof. Moritz Eggert in München. Er nahm teil an Kompositionsmeisterklassen mit Enno Poppe, Boris Filanovsky, Pascal Dusapin, Sandeep Bhagwati und Helmut Lachenmann.

Als Komponist interessiert sich Khismatov für das Klangbild unserer Zeit, industrielle Klanglandschaft, Raummusik, Theatermusik usw. Arbeiten wie Cymbals Quartet, Microphones Quartet oder Voice Quartet sind von einer Industrieumgebung inspiriert und werden als Raummusik präsentiert. In 2017 realisierte Khismatov sein Werk A-Musik im Bergbau-Technik-Park im Leipziger Neuseenland.

Für seinen Kammeroper-Zyklus to the left erhielt er den Boston Metro Opera Advocacy-Award 2014. Er ist Gewinner des Hof Klang-Kompositionswettbewerbs 2013 mit dem Werk Voice Quartet. Seine Mini-Oper nach basho gewann 2012 den ersten Preis des OSSIA-Wettbewerbs in New York. Außerdem wurde er 2012 mit einem Preis des Ministeriums für Kultur von St. Petersburg ausgezeichnet und er war Preisträger der Franz Josef Reinl-Stiftung.

Im Jahr 2018 erhielt er ein Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen für das Projekt In Pursuit of Sound sowie ein Stipendium der Stiftung Künstlerdorf Schöppingen. Im Jahr 2015 war er Stipendiat des Künstlerhauses European Dukley Art Residence in Budva; 2013–2014 war er Stipendiat im Internationalen Künstlerhaus Villa Concordia in Bamberg.

Im Rahmen des Projekts Signals wird Sergey Khismatov an einer weiteren Komposition für Megaphon arbeiten. Das Megaphon als Verstärker von Tonsignalen vermittelt unbewusst die Assoziation eines industriellen Prozesses, bei dem die Kommunikation über Funk oder mit Hilfe großer Hörner oder Megaphone erfolgt. Darüber hinaus funktioniert das Megaphon wie ein Filter – die Stimme, die durch das Prisma des Megaphons ertönt, erhält einen metallischen Farbton. Während der Aufführung der Komposition bewegen sich die SängerInnen des Megaphon-Chors und das Publikum gemeinsam durch den Park.

Natalia Pschenitschnikova, geb. in Moskau, ist Sängerin, Flötistin, Performerin und Komponistin. Neben ihrer Solisten- und Kammermusiktätigkeit arbeitet sie in verschiedenen Theater- und Tanzprojekten. Schwerpunkte ihrer experimentellen Arbeit sind die Korrelation von Klang und Raum, die Ökologie des Klangs und die energetischen Eigenschaften von Klang und Stimme.

Neuere performative und installative Kompositionen widmete sie literarischen Werken der russischen und frühsowjetischen Avantgarde (Velimir Chlebnjkov, Aleksej Gastev). Sie bildet mit Martin Daske das Duo Voicetronic, mit Mikhail Mordvinov das Duo Pianovoice und leitet die experimentelle Stimmgruppe La Gol (Moskau). In ihrem aktuellen Projekt Brunnen der Erinnerung konfrontiert sie Audio-Footage von fremden Lebenserinnerungen mit ihrer eigenen Stimme.

Natalia Pschenitschnikova ist Absolventin des Staatlichen Tschaikowski-Konservatoriums. Sie interpretierte als Solistin zahlreiche für sie geschriebene Werke, u.a. von Bernhard Lang, Gia Kanchelli, Johannes Fritsch, Klaus Lang, Helmut Zapf, Sergej Newski, Helmut Oehring. Sie ist Spezialistin für die Vokalmusik von Giacinto Scelsi (Kooperation mit Michiko Hirayama). Sie arbeitete mit Dirigenten wie Theodor Kourentzis, Beat Furrer, Peter Rundel, Wladimir Jurowskij, Dennis Russell-Davies, Jürg Wyttenbach, Martiyn Brabbins zusammen und nahm an zahlreichen internationalen Festivals teil (Biennale Venedig, Donaueschinger Musiktage, Wien Modern, Berliner Festwochen, Märzmusik u.a.). Sie war Mitbegründerin des Moskauer Festivals für neue Musik ‚Alternativa‘.

Während ihres Aufenthalts in Wiepersdorf wird sie an ihrem neuen Stück Requiem for a Flower, einer Performance mit Objekten für Solostimme und Live-Electronics, arbeiten.

Julia Carolin Kothe (* 1991 in Gießen) macht und verbindet skulpturale Installation, Sound, Moving Image, Performance und Text. Ihre Praxis entwickelt sich über verschiedene Medien, Materialien und Formate hinweg, indem sie die (Un-) Möglichkeiten der Kommunikation zwischen Objekten und Körpern – einschließlich den Zuschauenden, Performer*innen und sich selbst – untersucht. Sie entwickelt und konstruiert die Rollen und Beziehungen, die die Beteiligten in verschiedenen Räumen und Szenarien spielen. Sie interessiert sich weniger für eine fertige Arbeit als dafür, wie diese Objekte und Subjekte in verschiedenen (Ausstellungs-) Formaten interagieren / zusammenspielen und welche physischen Spuren Prozesse und Handlungen hinterlassen. Durch nicht-lineare Narration reflektiert sie über haptische Begegnungen, die mithilfe ihrer Hände und aus Erinnerungen, Dialogen, Referenzen und Vorschlägen zusammengesetzt sind. 2019 schloss sie ihr Masterstudium an der Glasgow School of Art (UK) mit dem Schwerpunkt Skulptur ab. Sie hat außerdem einen Master der Kunsthochschule Mainz (D).

In Zusammenarbeit mit Künstler*innen hat sie verschiedene Plattformen wie Zines, Performance- / Kunstfestivals und Ausstellungen entwickelt. Sie ist Mitbegründerin des Raums ruelle (www.raum-ruelle.de) und veröffentlichte im Jahr 2019 chains – die erste Ausgabe einer Zine-Reihe im Centre for Contemporary Arts, Glasgow und in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Julia Gerke. Sie zeigte ihre Arbeit in mañana bold (Offenbach, Germany), ATLETIKA Gallery (Vilnius, Lithuania), Frankfurter Kunstverein (Frankfurt, Germany), Kunsthalle Mainz (Mainz, Germany), POKY—Institute of Contemporary Arts (Mainz, Germany), Kulturstiftung Opelvillen Rüsselsheim (Rüsselsheim, Germany). 2020 veröffentlichte sie eine Radiosendung bei Palanga Street Radio (Vilnius, Litauen) und einen Text für Der TYP (Offenbach, Deutschland).

Julia Carolin Kothe lebt und arbeitet in Glasgow (Schottland).

Regina Scheer, in Berlin geboren, studierte Theater- und Kulturwissenschaft an der Humboldt-Universität zu Berlin. Von 1972–1976 war sie Kulturredakteurin bei der Zeitung FORUM und arbeitet seither als freiberufliche Autorin, Redakteurin, Historikerin und Publizistin.

Zwischen 1966 und 1990 veröffentlichte sie Lyrik und literarische Beiträge in Anthologien und Zeitschriften, verfasste Liedtexte und publizistische Beiträge zu verschiedenen Themen. 1987–89 führte sie lebensgeschichtliche Tonbandinterviews mit ehemaligen Häftlingen des KZ Sachsenhausen und hat seither an zahlreichen Filmen und Ausstellungen zu diesem Thema mitgearbeitet. Nach 2000 widmete sie sich der Biografie-Arbeit mit MigrantInnen in Berlin-Wedding. Regina Scheer ist Mitglied des VS (Schriftstellerverband bei ver.di) und Mitglied des PEN.

Unter ihren zahlreichen Buchveröffentlichungen seit 1992 sind u.a. zu nennen:

Im Schatten der Sterne. Eine jüdische Widerstandsgruppe, Aufbau Verlag, Berlin 2004
Wir sind die Liebermanns. Geschichte einer Familie, Propyläen Verlag, Berlin 2006
Kurt Tucholsky, Hentrich & Hentrich, Teetz 2008
Max Liebermann erzählt aus seinem Leben, Verlag für Berlin-Brandenburg, Berlin 2010
Machandel, Roman, Albrecht Knaus Verlag, München 2014
Gott wohnt im Wedding, Roman, Penguin Verlag, München 2019

Während ihres Stipendienaufenthalts in Wiepersdorf widmet sich Regina Scheer ihrem Romanprojekt Bittere Brunnen, eine literarische Annäherung an das Leben von Hertha Walcher, geb. Gordon, Frau des kommunistischen Gewerkschafters und Politikers Jacob Walcher und Sekretärin von Clara Zetkin in den 1920er Jahren.

Hakan Ulus (*1991 in Buxtehude) ist ein deutscher Komponist. Sein Kompositionsstudium absolvierte er bei Tristan Murail, Adriana Hölszky, Claus-Steffen Mahnkopf und Ernst Helmuth Flammer an der Universität Mozarteum Salzburg und der HMT Leipzig. Anregungen erhielt er zudem in Meisterkursen bei Pierluigi Billone, Brian Ferneyhough, Chaya Czernowin und Steven Kazuo Takasugi. Er war Fellow der Harvard Composition Institute Residency 2014, DRK Singapore 2015 und ManiFeste Academy 2017.

Aufführungen seiner Werke u.a. in Deutschland, Österreich, Frankreich, Schweden, Türkei, USA, Australien, Singapur und Großbritannien durch u.a. Klangforum Wien, Ensemble intercontemporain, Ensemble Recherche, Talea Ensemble, Ensemble SurPlus, AuditivVokal Dresden, Norbotten NEO, Ensemble mise-en, IEMA-Ensemble, Ensemble Aventure and Hezarfen Ensemble.

Diverse Stipendien (u.a. Berlin Stipendium der Akademie der Künste Berlin 2017/18, Artist in Residence im Thomas Bernhard Haus Ottnang 2019, Kunststiftung NRW 2017, Jonathan Harvey Scholarship 2017–20, IEMA 2015/16), Preise (u.a. impuls Kompositionspreis 2017, AuditivVokal Kompositionspreis 2018) und Aufträge (u.a. Klangforum Wien Australien National Academy for Music).

Er unterrichtet an der University of Huddersfield, wo er derzeit seinen PhD in Komposition beendet (Supervisor: Aaron Cassidy und Liza Lim). Seit Januar 2020 unterrichtet er zudem Analyse und Ästhetik zeitgenössischer Kunstmusik an der Gustav Mahler Privatuniversität Klagenfurt. Seine Werke erscheinen bei Edition Gravis.

Während seines dreimonatigen Arbeitsaufenthaltes in Wiepersdorf wird Hakan Ulus ein neues Stück für zwei Bassklarinetten, zwei Saxophone und Schlagzeug komponieren. Klarinette und Saxophon zählen neben dem Klavier zu den ‚Hauptinstrumenten‘ in seiner Musik: „Mir geht es vor allem darum, den vokalen, ‚rezitierenden‘ Charakter der Instrumente in den Vordergrund zu stellen. Der gesamte Stimmapparat soll kompositorisch beleuchtet und dekonstruiert werden. Welches neue musikalische Material kann generiert werden, wenn das Ein- und Ausatmen in direkte Verbindung zum Instrument gebracht wird – beispielsweise Einsaugklänge kombiniert mit engen Vibrati und Flatterzunge? Das Interesse an diesem Ansatz kommt vor allem durch die musikalische Faszination an der Koranrezitation und ihren feinen Nuancierungen. Die Koranrezitation ist schon seit mehreren Jahren eine wichtige Inspirationsquelle für meine Musik.“

Naomi Liesenfeld lebt und arbeitet in Bonn. Von 2010 bis 2018 studierte Sie konzeptuelle Malerei und Bildhauerei in Saarbrücken und Zürich. 2018 wurde Sie Meisterstudierende bei Katharina Hinsberg. Sie war Stipendiatin in der Künstlerförderung des Cusanuswerk und erhielt 2018 ein Atelierstipendium im Atelierhaus des Bonner Kunstvereins.

Naomi Liesenfeld beschäftigt sich mit Farbe und ihrer Entfaltung in Raum und Zeit. In Ihrer künstlerischen Praxis entstehen abstrakte und minimalistische Arbeiten auf Leinen, Wand oder Papier sowie Objekte die versuchen, die Grenze zum Wahrnehmbaren zu dehnen. Liesenfelds Interesse gilt der Farbproduktion und den Eigenschaften von Bildträgermaterialien gleichermaßen. So zielt Ihr Tun auf ein Interagieren dieser beiden Welten. Oft sammelt und produziert Sie aus natürlichen Farbsubstanzen Pigmente, die mithilfe von Trocknungsprozessen und Mahlwerken zerkleinert ihre Palette ergeben. Aus Pflanzen und Früchten werden farbtragende Objekte, Kornblumen und Mohn zu Pigmentpulver verarbeitet, Stangenbohnen wachsen in Galerieräumen wo deren Ernte als Farbgeber für Wandmalerei und Zeichnung Verwendung findet. Diese nicht konservierten wandelbaren Farben zeigen ein Eigenleben und spielen mit den Seh- und Wahrnehmungsgewohnheiten der Betrachter während sie sich stetig verändern.

Nero Campanella wurde 1977 in Saarbrücken geboren und ist im Saarland aufgewachsen. Sein Studium der Literaturwissenschaften und Musikwissenschaft schloss er in Köln als Magister ab. Nach Veröffentlichung zahlreicher literarischer und Sachtexte (Kolumnen in der Berliner Zeitung, ein Reiseführer, Lyrik in Frank Zumbachs Balladenbuch, Der Exot u.a.) arbeitet er seit 2016 an dem mehrteiligen Erzählprojekt Fuga Mundi, in dessen Zentrum die autofiktionale Figur Nero Campanella steht. Anhand einer Reihe von Romanen und Paratexten verschiedener Gattungen wird vom Verschwinden der westlichen Welt erzählt. Auf Schloss Wiepersdorf wird Nero Campanella am ersten Teil der Reihe, Saturnische Nacht, weiterarbeiten.

Susanne Gabler lebt und arbeitet als Bildende Künstlerin in Wismar. Nach einem abgeschlossenen Studium der angewandten Kunst arbeitete sie freiberuflich in den Bereichen Freie Kunst, Grafik und Innenarchitektur. Seit 2019 hat Gabler gemeinsam mit zwei weiteren Künstlerinnen die geschäftsführende Leitung der Galerie Hinter dem Rathaus in Wismar.

2018 erhielt sie ein Landesstipendium und lebte und arbeitete als Artist-in-Residence auf Island.

Sie projektiert verschiedenartige Kunstprojekte, Kunstaktionen und Ausstellungen für Kunsthäuser. Sie arbeitet in unterschiedlichen Kollaborationen, erprobt sich in Wissenschaftskommunikation und ihre eigenen künstlerischen Arbeitsschwerpunkte sind Objekte, Rauminstallationen, partizipative Kunstaktionen und Fotografie.

Ungerechtigkeiten werden wiederkehrend Inhalt ihrer künstlerischen Arbeit. Im Entstehungsprozess entwickelt sie Übersetzungen vorerst abstrakter Gefühle. Die folgend primär ästhetisch wirkenden Objekte ermöglichen leichte Annäherung, sind aber im nahen Betrachten als Drama erkennbar. Intendiert verursachen die Kunstwerke sekundär Gefühle, durch welche die BetrachterInnen die Unmittelbarkeit ihrer Kunst erfahren. Widerspiegelnd zeigen ihre Arbeiten unsere Zerrissenheit zwischen Verbrauch und Erhalt – zwischen den Strukturen unserer Lebensgewohnheiten und der sich daraus ergebenden Verantwortung. Die seit Urzeiten existierenden Kreisläufe des Lebens sind das Grundprinzip der Nachhaltigkeit. Trotz dieses Wissens fragt Gabler sich, warum wir die Konsequenzen des Handelns ignorieren und unseren begrenzten Lebensraum missbrauchen, statt unser Handeln zu korrigieren. Gablers Kunst stellt die RezipientInnen in diese Konfrontation. Die anschließenden Reflexionen beobachtet sie und ergründet unsere gesellschaftlichen Verflechtungen in Strukturen und Wünschen.

In Wiepersdorf möchte Gabler sich mit den Artefakten des Neoliberalismus auseinandersetzen: Kommt „gut“ von „Güter“? Oder sollte „Güter“ nicht die Ableitung von „gut“ sein? Was ist das Gute? Was sind unsere höchsten Güter? Wer kann die lauten und deutlich weltlichen Bedrohungen nicht sehen, hören oder schmecken? – Wo steckt unsere Güte zwischen all unseren Gütern? Der Neoliberalismus funktioniert nur endlich und profitieren können nur die an dessen Spitze. Ich suche nach dem „gut“ in den Gütern und frage: Welche Güter verdienen eigentlich das Prädikat gut?

www.susannegabler.de
Instagram: @susagabler

Maximilian Otto war Schüler am Sächsischen Landesgymnasium für Musik Carl Maria von Weber Dresden in den Hauptfächern Klavier und Kontrabass sowie in den Nebenfächern Komposition und Dirigieren. Seit Oktober 2018 studiert er Orchesterdirigieren an der Hochschule für Musik Carl Maria von Weber Dresden bei Prof. Ekkehard Klemm. Zudem ist er seit 2019 Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes.

Er erhielt zahlreiche Kompositionspreise, u. a. den Bialas-Förderpreis der GEMA-Stiftung und zehn Bundespreise beim Bundeswettbewerb „Jugend Komponiert“. Zudem leitete er viele seiner Uraufführungen und dirigiert regelmäßig Orchester wie die Elbland Philharmonie Sachsen, die Sinfonietta Dresden, die Robert-Schumann-Philharmonie Chemnitz und sein eigenes Orchester „Junge Sinfonie Dresden“. 2019 führte er als Solist sechs Mal sein Klavierkonzert mit der Elbland Philharmonie Sachsen auf. Im selben Jahr wurde seine Orchestrierung des Contrapunctus I aus J. S. Bachs Die Kunst der Fuge mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen aufgeführt. Selbige Bearbeitung wäre 2020 im 9. Symphoniekonzert der Staatskapelle Dresden erklungen — die Aufführung wurde aufgrund der Corona-Pandemie leider abgesagt.

Maximilian Otto möchte in Wiepersdorf gern intensiv über seine Authentizität als Dirigent und die Ehrlichkeit beim Musizieren — ganz frei von irgendwelchen scheinbaren Zwängen oder Erwartungen, die man glaubt, erfüllen zu müssen — nachdenken. Darüber hinaus möchte er die Zeit nutzen, sein nächstes Orchesterwerk zu planen und sein dirigentisches Repertoire durch Studium zu erweitern.

Iryna Herasimovich wurde 1978 in Minsk geboren. Die Literaturübersetzerin und Essayistin hat AutorInnen wie Lukas Bärfuss, Franz Hohler, Dea Loher, Nora Gomringer, Jonas Lüscher und Ilma Rakusa ins Belarusische übersetzt. Sie arbeitet als Dramaturgin und Kuratorin im Bereich bildende Kunst und ist Mitglied der Deutschen Akademie für Sprache und Dichtung.

Als Belarus noch ein weißer Fleck auf der Landkarte war, gab es bereits eine eigenwillige, heterogene Kulturszene, die sich Räume schuf, in denen Vorstellungen von einem nicht gegängelten Leben Gestalt annahmen. Unter den ungünstigen Bedingungen des rigiden und auf die sowjetische Vergangenheit fixierten Systems konnte sich eine parallele Gesellschaft entwickeln, in Nischen, für viele unsichtbar. Die Repressionen, die seit der Zerschlagung der weiß-rot-weißen Proteste das Land überziehen und die Gesellschaft traumatisieren, haben auch diese Nischen aufgelöst. Iryna Herasimovich gibt Einblicke in diese Szene. Vieles bricht jetzt auf: verdrängte Konflikte, Illusionen, Hoffnungen und Enttäuschungen. „Wer steht an welchem Punkt? Was war davor? Was kommt danach?”

Tomomi Adachi ist ein Performer/Komponist, Klangpoet, Instrumentenbauer und Bildender Künstler. Er ist bekannt für seinen vielseitigen Stil und hat seine eigenen Sprech- und Elektronikstücke, Klangpoesie, improvisierte Musik und zeitgenössische Musik sowie ortsspezifischen Kompositionen, Kompositionen für klassische Ensembles, Theaterstücke, Chorstücke für ungeübte MusikerInnen und skulpturale Poesiestücke in der ganzen Welt aufgeführt und gezeigt, unter anderem im Hamburger Bahnhof, in der Tate Modern, bei Maerzmusik, im Centre Pompidou, im ZKM, im Palais de Tokyo und in der Akademie der Künste Berlin. Er interpretierte historische Werke der experimentellen Musik von Cornelius Cardew, Christian Wolff und sowie „Europera 5“ und „Variation VII“ von John Cage als japanische Erstaufführungen. Er hat mit einem breiten Spektrum an Materialien gearbeitet: selbstgebaute Interfaces und Instrumente, künstliche Intelligenz, Gehirnwellen, künstliche Satelliten, Twitter-Texte, Frakturen und sogar paranormale Phänomene. Als einziger japanischer Interpret von Lautpoesie führte er 1996 Kurt Schwitters' „Ursonate“ als Japan-Premiere auf. Zu seinen CDs gehören das Soloalbum von Tzadik, Fontec, Omegapoint und naya records. Von 2009 bis 2010 hielt er sich als Stipendiat des Asian Cultural Council in New York auf. Im Jahr 2012 war er Gast des Berliner Künstlerprogramms des DAAD. 2019 erhielt er den Award of Distinction der Ars Electronica.

Thomas de Padova wurde 1965 als Kind deutsch-italienischer Eltern in Neuwied am Rhein geboren. Das Studium der Physik und Astronomie in Bonn und Bologna eröffnete ihm eine Vielfalt an Blickwinkeln, unter denen Forscherinnen und Forscher die Welt betrachten. Diese Perspektiven einem Leserpublikum näherzubringen, hat er sich zur Aufgabe gemacht, zunächst als Redakteur beim „Tagesspiegel“ und seit 2005 als freiberuflicher Autor und Publizist.

In Büchern wie „Alles wird Zahl“, „Leibniz, Newton und die Erfindung der Zeit“ oder „Das Weltgeheimnis“ hinterfragt er, wie sich Erkenntnisse und Fertigkeiten, die von einem Land in ein anderes gelangen, unter den jeweiligen lokalen Bedingungen in etwas noch nie Dagewesenes verwandeln können, sei es in ein astronomisches Fernrohr, die Unruh einer Taschenuhr oder ein Symbol wie „=“ für eine Rechenoperation, kurz: wie das Neue in die Welt kommt. Mit „Nonna“, einem Buch über seine süditalienische Großmutter, der Geschichte eines Sommers, der alle anderen Sommer in sich vereint, hat er sein erzählerisches Repertoire erweitert.

In Wiepersdorf möchte er an diese Entwicklung anknüpfen und sich ins späte 18. und frühe 19. Jahrhundert zurückversetzen. Sein besonderes Augenmerk soll dabei der schrittweisen Entdeckung einer Tiefenzeit gelten, die Zehntausende, Hunderttausende, Millionen von Jahren zurückreicht und in die der Mensch erst spät eintrat.

Sarah Duffys Praxis ist interdisziplinär: Sie umfasst Performance, Sound, Video sowie Installation und setzt den Fokus darauf, verborgene Erzählungen aufzudecken und nicht greifbare Elemente unserer Welt sichtbar zu machen. Dieses Interesse hat zu einer fortlaufenden Untersuchung der menschlichen Stimme und ihrer immateriellen Eigenschaften geführt. Duffy versucht oft, ihre Forschungen zu verkörpern; so hat sie sich beispielsweise nach einem ausführlichen Studium der spirituellen Geschichte des Bauchredens von Mystikerinnen sieben Monate lang zur Bauchrednerin ausbilden lassen und anschließend einzigartige ortsspezifische Performances beispielsweise in einem ehemaligen Verhörraum und einem Tunnel unter der Themse inszeniert.

Sarah Duffy (geb. 1986) lebt und arbeitet in Großbritannien. 2013 schloss sie ihr Studium an der Goldsmiths University of London mit einem MFA ab und war im Anschluss die erste Preisträgerin des Acme Goldsmiths MFA Studio Award. Zu ihren Projekten und Ausstellungen gehören die Solo-Performance Om3am x Sarah Duffy, veranstaltet von Hans Ulrich Obrist, Jos Bitelli und Felix Melia; Enjoy The Silence im Camden Arts Centre, London; The Frequency of Magic in der out_sight Gallery, Seoul; A Far Away Rendez-vouz im SixtyEight Art Institute Kopenhagen; The Ol' Switcheroo im Jupiter Woods, London, und Nothing is – everything just has been or will be in der gallery dam dam, Berlin. Zu ausgewählten Aufenthalten gehören: seMA Nanji im Seoul Museum of Art und ein Triangle Network Fellowship im Lugar a Dudas in Cali, Kolumbien. Im Jahr 2020 nahm Duffy am fünfjährigen Acme Fire Station Live/Work-Programm in London teil, 2021 arbeitete sie mit Artlink in Fort Dunree in der Grafschaft Donegal, Irland.

Petra Heymach, geboren 1951 in Biedenkopf/Hessen, arbeitete nach einem sonderpädagogischen und einem Psychologiestudium als Lehrerin mit dem „Förderschwerpunkt Sprache“ an einer Schule in Berlin/ Kreuzberg. Ihr Interesse an Bettina von Arnim und ihrer Familie begann im 18. Lebensjahr. Zunächst näherte sie sich dem Thema mit Szenischen Lesungen wie Goethes leidige Bremse, Szenen einer Ehe (Literaturhaus Berlin) und diversen Vorträgen wie Bettina, eine Revolutionärin? Ab 1989 widmete sie sich gezielt der Familienforschung und recherchierte in den Archiven der (ehemaligen) DDR. 1992 erfolgte eine erste Ausstellung, Vom Familiensitz zum DDR-Künstlerheim Bettina von Arnim auf Schloss Homburg (Nordrhein-Westfalen). Ab 2000 begann eine intensive Recherche über den Maler Achim von Arnim-Bärwalde für eine Tagung auf Schloss Wiepersdorf 2001 mit dem Beitrag Ein Cravaller mit großen Feusten. Es folgten an der UdK eine Ausbildung zur Ausstellungskuratorin 2014 sowie diverse Weiterbildungen 2016 zum Thema. Von Mai bis Juli 2015 kuratierte sie die zweite Ausstellung auf Schloss Wiepersdorf über Leben und Werk der Malerin Bettina Encke von Arnim mit Begleitbuch: Die Malerei ist mein ganzes Glück.

Während ihres Aufenthalts in Wiepersdorf wird Petra Heymach weiter zu Leben und Werk des Malers Achim von Arnim-Bärwalde (Erster Enkel von Achim und Bettina von Arnim) arbeiten, schwerpunktmäßig zu seinen architektonischen und gestalterischen Veränderungen für Schloss Wiepersdorf; sowie zur Malerin Bettina Encke von Arnim, ihr Leben und Überleben mit Mutter und Schwestern in Wiepersdorf während der Zeit des Nationalsozialismus und der Nachkriegszeit bis 1947 in der SBZ und ihren Einsatz für den Erhalt des Schlosses Wiepersdorf als Haus für SchriftstellerInnen.

Charlotte Misselwitz arbeitet in Berlin als Journalistin sowie als Medienwissenschaftlerin. Ihre Essays und Feature im Print- und Radiobereich bearbeiten Fragen und Geschichten zwischen Deutschland, Israel oder auch Osteuropa. Sie ist in Ost-Berlin geboren und hat länger in Russland sowie Israel gelebt. Im Schloss Wiepersdorf wird sie publizistisch als auch akademisch über ‚Antisemitismus in der DDR versus die Verbundenheit von Juden mit dem Staat‘ arbeiten. Exemplarisch soll anhand der Enkelgeneration des Wissenschaftlers Albert Wollenberger das linke Erbe der Juden in der DDR als „Segen und ein Fluch“ aufgearbeitet werden. Damit führt Charlotte Misselwitz eine jüngere deutsch-deutsche, akademische als auch mediale Debatte weiter, die sie zusammen mit Historikern wie Sonia Combe oder Wolfgang Herzberg anstieß. Es geht um vorherrschende Darstellungen der DDR als beispielsweise ‚antisemitisch‘, die teilweise weitaus progressiveren Verhältnissen in der DDR gegenübergestellt werden. Ihre Dissertation „Stereotypisierungen des Muslimischen in deutschen und israelischen Medien. Narrative Rückspiegelungen durch Medienkunstprojekte“ an den Universitäten Essen-Duisburg und Tel Aviv kommt demnächst bei De Gruyter heraus.

David Polzin ist in Hennigsdorf in Brandenburg geboren und im benachbarten Velten aufgewachsen. Während seines sechsjährigen Studiums studierte er ein Jahr in Israel an der Bezalel Academy of Arts and Design Kunst. An der Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB) absolvierte er ein Diplom bei Prof. Eran Schaerf (2008) und einen Meisterschüler-Abschluss (2009).

Nach dem Studium hatte er seine erste Einzelausstellung in Berlin (Galerie Anselm Dreher) und 2010 seine erste internationale Einzelausstellung in Brüssel (Galerie Waldburger Wouters).

Seither hat er international ausgestellt, u.a. in Japan, Russland, Holland, Belgien, Schweiz und den USA. Seit seiner ersten institutionellen Einzelausstellung im MMK in Frankfurt a.M. (2013) liegt der Fokus seiner Arbeit auf der deutsch-deutschen Vereinigung der DDR und der BRD und der Wendezeit. In seinen Arbeiten kreiert er Design-Mischformen, mit dem Schwerpunkt auf Sitzmöbel und Gebrauchsgrafik, die aus ost- und westdeutschen Elementen bestehen.

Antje Vowinckel ist Komponistin, Musikperformerin und Hörspielmacherin. Sie studierte Literatur, zusammen mit Musik und Soziologie in Bielefeld und schloss ihr Studium mit einer Promotion zu „Collagen im Hörspiel“ ab.

Anschließend absolvierte sie ein Volontariat beim SWR in Baden-Baden und arbeitete dort drei Jahre als Regieassistentin, Autorin und Dramaturgin. Nach dem Umzug nach Berlin im Jahr 2000 folgten Regiearbeiten Hörspiele und Klangkompositionen für zahlreiche Sender der ARD; später auch Produktionen für Konzert-Veranstalter, Ausstellungen, Festivals und CD-Labels. In den letzten Jahren realisierte sie außerdem diverse Installationen und Performances im öffentlichen Raum, Video-Kompositionen, Bühnen-Performances und ein Klang-Aquarium. Ihr Hörspiel Call me yesterday wurde in 17 Ländern gesendet und präsentiert. Antje Vowinckel widmet sich in ihrer Arbeit immer wieder dem Verhältnis von Musik und Sprache z.B. in Kompositionen mit Dialektmelodien oder in ihrer Methode des Automatic Speaking. Sie verwendet in ihren Kompositionen und Performances Alltags-Objekte, Instrumente elektronische Klänge und ihre eigene Stimme. Daneben ist sie gelegentlich als Essayistin, Dozentin, Kuratorin und Jurorin tätig. Für ihre Arbeit erhielt sie zahlreiche Preise und Stipendien, darunter den Karl-Sczuka-Förderpreis und Anerkennungen beim Prix Ars Electronica und Prix Phonurgia Nova. 2021 war sie nominiert für den Deutschen Musikautorenpreis und für die World Music Days in Shanghai.

Andrea Hensgen wuchs auf in einem sehr kleinen Dorf an der französisch/luxemburgischen Grenze. Diese Kindheit zwischen Wald und Wiesen, Scheunen und Ställen, verschrobenen Bauern und schrägen Nachbarn ist bis heute der Schatz, aus dem ihre Freude am Erzählen schöpft. Um den früh gefassten Entschluss, eine Schriftstellerin zu werden, in die Tat umzusetzen, schloss sie ein Studium der Literaturwissenschaft in Saarbrücken ab. Dabei entdeckte sie die großen Werke der europäischen Literatur.

Ihre Auseinandersetzung mit den geistigen Traditionen Europas prägt ihre Arbeiten bis heute, seit ihren ersten Büchern, Romane für Jugendliche. Philosophische Fragen stehen im Mittelpunkt des gesamten Werks. Ihr Blick richtet sich vor allem auf jene Entwürfe gelungenen Lebens, wie sie die europäische Kultur hervorgebracht hat. Mittlerweile hat sie im Bereich der Belletristik Romane, Erzählungen und auch eine Novelle veröffentlicht. Zugleich gehören Kinderbücher, Bilderbücher mit und ohne Worte sowie Sachbücher zur Frühpädagogik und zu Gartenthemen zu ihrem Werk.

Ihre Arbeit wurde vielfach ausgezeichnet, mit Preisen und Stipendien in verschiedenen europäischen Ländern.

Heute lebt Andrea Hensgen mitten in Sachsenhausen, einem Stadtteil Frankfurts, ebenso lebendig und voller wunderlicher Zeitgenossen wie damals ihr Dorf.

Said Azh, geboren am 3.6.1999 in Stuttgart, ist ein deutsch/persischer Komponist, der aufgrund seines Hintergrunds den Dialog zwischen persischen und westlich/deutschen Ide-alen in der Musik versucht zu erforschen. Den Bundeswettbewerb „Jugend Komponiert“ der Jeunesses Musicales gewann er vier Mal in Folge, mit den vorherigen Preisträgerstücken „Aban“, „Ghazal“, „Liminal Spaces“ und dem diesjährigen Preisträgerstück „Pasyryk-Fragmente“ für Flöte und Ensemble.

Andere Projekte umfassen Stücke für die Carl Bechstein Stiftung in Kooperation mit „NEUES ZEUG“, mehrere Orchesterstücke im Rahmen der Stuttgarter Musikschule, die sich mit türkischer Baglama-Musik auseinandersetzen und Zyklen für Stimme-Solo und Chor, wie „Kare hame rast“ für Stimme und Vibraphon, oder „Weltliche Gesänge“, die im Rahmen der Hochschule für Musik und darstellende Kunst in Stuttgart aufgeführt wurden.

Außerhalb der Komposition ist Said Azh Chorleiter bei LU im Takt und studiert momentan in Stuttgart Musik und Englisch auf Lehramt.

Monika Hau wurde 1956 in Saarbrücken geboren. Sie hat von 2001 bis 2006 ihre künstlerische Ausbildung bei Professor Bodo Baumgarten, HBKsaar, erhalten, bis 2011 lag ihr Schwerpunkt auf der Malerei. Seit 2012 beschäftigt sie sich mit der Linie, der Linie im Raum und Netzstrukturen. Dieser Wendepunkt eröffnet neue Themen, die sowohl im Hier und Jetzt, als auch in der Gesellschaft verhaftet sind.

Unterschiedliche Lebensgeschichten werden zum Input zeichnerischer Darstellung und werden dadurch neu wahrnehmbar. Sie hinterfragt unsere Wahrnehmungen in dem sie Menschen, Wege, Distanzen, Wertloses und Unsichtbares sichtbar macht.

Bei ihrem neuen Projekt beschäftigt Monika Hau sich mit Dingen. In unserer schnelllebigen Zeit bleibt vieles unbeachtet. Dinge, die keinen momentanen Wert darstellen, sind von unserer Wahrnehmung ausgeblendet. Das Wertlose liegt als Abfall in öffentlichen Räumen, jedoch verweist es auf etwas. Fundstücke, die unbeachtet in unterschiedlichen Ländern im städtischen Raum, oder im ländlichen Raum liegen, werden transformiert.

Während ihres Aufenthaltes in Schloss Wiepersdorf will Monika Hau ihr angefangenes Projekt weiterführen.

Zmicier Vishniou, geb. 1973, ist Prosaautor, Dichter, Performance-Künstler, Literaturkritiker und Programmdirektor der Literaturzeitschrift Teksty und Mitbegründer der Künstlerbewegung Bum Bam Lit. Seit 2007 leitet er gemeinsam mit Michas Bashura den unabhängigen Minsker Verlag Halijafy. In Martina Jakobsons deutscher Übersetzung erschien 2014 der Roman „Das Brennesselhaus“ (luxbooks). Ein Aufenthalt im Berliner Künstlerhaus Tacheles hat ihn zu diesem Debüt inspiriert. 2018 erschien sein Roman „Wenn Sie genau hinschauen, ist der Mars blau“, der noch auf seine Übersetzung ins Deutsche wartet. 2006 war er Gastautor im Literarischen Colloquium Berlin.

Übersetzungen ins Deutsche

Vishniou, Zmicier (2021): Papa, was ist Junta?; Point of No Return – Stimmen aus Belarus; https://lcb.de/digitalessay/belarus/ [Essay]

Vishniou, Zmicier (2019) : Kopf-Hämatom Nr. 2, In: Grand Tour: Reisen durch die junge Lyrik Europas. Hg. von Jan Wagner und Federico Italiano. Carl Hanser Verlag, München 2019.

Vishniou, Zmicier (2014): Das Brennesselhaus. Roman. Übers. Martina Jakobson. Wiesbaden: LUXBOOKS 2014. [Prosa]

Vishniou, Zmicier (2014): Günter Uecker. Übers. Martina Jakobson. In: Ostragehege 73-I/2014, S. 38. [Lyrik]

Vishniou, Zmicier [Višnëŭ, Zmicer] (2010): Aktuelle literarische Entwicklungstendenzen in Belarus. Übers. Thomas Weiler. In: Annus Albaruthenicus 2010. 227-238 [Essay]

Vishniou, Zmicier (2007): Kopf-Hämatom Nr. 2; unklar blieb: waren die vorhänge vögel …; Ich will eine Frau!; ich trete vor den spiegel …; kapillarenwege rasanter als züge … Übers. Martina Mrochen. In: die horen 4/2007 (228), S. 37-38 [Lyrik]

Vishniou, Zmicier (2007): Ich bin ein Wilddieb! Ich raube Gedichte in Deutschland!; Nächtliches; Flockenwirbel im Mai; Nur du allein!; worte: ein spiel des zufalls …; Punktiertezitadelle. Variante Nr. 5. Übers. Martina Mrochen. In: Frontlinie-2. Minsk: Łohvinaŭ 2007. S. 155-165. [Lyrik]

Vishniou, Zmicier (2006): Ich sitze im Koffer. Übers. Elke Erb und André Böhm. Berlin: Literarisches Colloquium 2006. [Lyrik]

Vishniou, Zmicier [Višnioŭ, Źmicier] (2005): Die Einsamkeit Napoleons; Die Tätzchen der Kaiserpaläste; Postscriptum zur Petersburger Passage; Bekenntnisse eines Jägers. Übers. Elke Erb und André Böhm. In: kafka 15/2005. S. 42-44. [Lyrik]

Vishniou, Zmicier [Višnioŭ, Źmicier] (2003): Aufgewacht inmitten von Stille und im Typhus …; Fledermäuse sind kein Graus …; die schläfrigen Lettern kriechen wie Kobras …; Ich verspäte mich zum Termin mit dem Beamten …; Verfrachte meinen Körper für einige Tage …; Ich sitze im Koffer … Übers. André Böhm. In: Frontlinie. Deutsche und Belarussische Anthologie. Minsk: Łohvinaŭ 2003. S. 184-197. [Lyrik]

Lukas Ratius wurde 1989 in Saarbrücken geboren. Zwischen 2011 und 2017 studierte er an der Hochschule der Bildenden Künste Saar und hält ein Diplom in Kommunikationsdesign. Für seine Abschlussarbeit »Taranto: Raffo, Cozze e Scontri« hat er 2016 sechs Wochen lang den Alltag einer Gruppe Fußballfans im süditalienischen Taranto dokumentiert.

Seit 2017 arbeitet er als freier Fotograf an eigenen Projekten und Fotobüchern oder für unterschiedliche Auftraggeber. Seine Fotos wurden in verschiedenen Magazinen und Zeitungen veröffentlicht, wie dem 11 Freunde Magazin, dem ZEITmagazin oder der Süddeutsche Zeitung (Auswahl). 2021 erschien das Fotobuch »Der Apparat« im Verlag Kettler, in dem die kleinteiligen Aspekte adminstrativer und politischer Netzwerke im Bundesland Saarland fotografisch beleuchtet werden. Zwischen 2020 und 2021 ist in Zusammenarbeit mit dem Filmemacher Philipp Majer und in Koproduktion mit dem SR, MDR und rbb der Dokumentarfilm »18+ Deutschland – was junge Menschen bewegt« für die ARD entstanden. 2022 hatte Ratius unter dem Titel »Der Apparat und andere Geschichten« seine erste, institutionelle Einzelausstellung in der Stadtgalerie Saarbrücken.

In seinen freien Arbeiten beschäftigt sich Lukas Ratius während dokumentarischer Langzeitbeobachtungen vor allem mit der Sichtbarmachung gesellschaftlicher Mechanismen, Netzwerke und Strukturen.

Sophia Ato ist eine Multimedia-Künstlerin und Architektin. Sie wurde in Kiew, Ukraine, geboren und studierte Malerei und Architektur an der Shevchenko Art School. 2019 schloss sie ihr Architekturstudium an der Nationalen Universität Kiew (KNUBA) mit einem Master ab.

Im Rahmen ihres Studiums im Studio InLab erstellte sie ein parametrisches Forschungsprojekt über die Transformation von Raum.

Sie war beteiligt am Projekt des Innovationszentrums UnitCity und anderen multifunktionalen Komplexen.

Derzeit ist sie als Künstlerin für das Projekt MetaHistory tätig, das darauf abzielt, die Ereignisse des Landes in der digitalen Geschichte zu erfassen und dabei zu helfen, Mittel für den Wiederaufbau der betroffenen Städte zu sammeln.

Während ihres Aufenthalts in Wiepersdorf möchte Sophia Ato an einem Projekt arbeiten, das auf der Untersuchung der kulturellen und weltanschaulichen Vielfalt der Regionen der Ukraine und ihrer Selbstidentifikation basiert.

Wiebke Elzel studierte künstlerische Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig (HGB), Diplom 2006 bei Prof. Timm Rautert, Meisterschülerstudium von 2007–2009 bei Prof. Peter Piller, ebenfalls an der HGB Leipzig. Von 2012–2018 lehrte sie künstlerische Fotografie an der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM).

Für ihre künstlerische Arbeit erhielt sie zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Arbeiten sind in verschiedenen Sammlungen vertreten, z.B. der Fotografischen Sammlung des Museum Folkwang, Essen oder der Sammlung der Kulturstiftung Sachsen. Ihre Arbeiten waren zuletzt unter anderem zu sehen im Haus am Kleistpark, Berlin, oder im Ludwig Museum Koblenz.

Wiebke Elzels künstlerische Arbeit ist geprägt von narrativen Elementen. Sie arbeitet hauptsächlich mit den Medien Fotografie und Text, die sie zu assoziativen Erzählformen verschränkt. Anhand von einzelnen Phänomenen, historischen Rätseln oder Ereignissen setzt sie sich mit gegenwärtigen Themen auseinander.

Neben dem Ausstellungsraum ist das Buchformat wichtiges Präsentationsmedium.

Seit 2007 lebt Wiebke Elzel als freiberufliche Künstlerin in Berlin.

Hunjoo Jung ist ein in Deutschland lebender südkoreanischer Komponist von akustischer, elektronischer und elektroakustischer Konzertmusik sowie intermedialer Installationskunst. In den letzten Jahren hat Jung neben der akustischen Musik auch multikomplexe strukturelle Möglichkeiten erforscht, wie interaktive visuelle Medien, Live-Video und Video-Mapping, Licht und Laser, Sensoren, Aktionen und/oder skulpturale Formen von Objekten in einer breiten Palette von Kombinationen mit akustischer, elektroakustischer und elektronischer Musik in der Verräumlichung eingesetzt werden können.

Seine jüngsten Werke wurden/werden in Auftrag gegeben/aufgeführt von Ensembles wie Distractfold [UK], Curious chamber players [Schweden], Talea [USA], KNM Berlin, Recherche [Deutschland], Mimitabu [Schweden], Interstring Project [Deutschland], Surplus [Deutschland], S201 [Deutschland], Multilaterale [Frankreich], Solisten wie Taylor J. Borden vom Mivos Quartett [USA], Niklas Seidl vom Ensemble Mosaic [Deutschland] und Kevin Toksöz Fairbairn [USA] sowie andere.

Seine Musik wird/wurde bei verschiedenen Festivals uraufgeführt, darunter TIME SPANS [USA], Kontakte'19 [Deutschland], KNM Contemporaries [Deutschland], Harvard Group New Musik Series [USA], Kalv [Schweden], Sound of Stockholm [Schweden], Tzlil Meudcan [Israel], Klang [Dänemark], DEGEM 30 years Celebration Concert [Deutschland], Electronic Music Studio at UC Berkeley [CNMAT], Electronic Music Studio at Stanford [CCRMA], Musik 21 Festival [Deutschland], No Hay Banda [Kanada], Musik Futures [Großbritannien], Tongyeong International Music Festival [Südkorea], Barcelona Modern Music_Sampler Series, Crossroads International Music Festival [Österreich], Levande Musik [Schweden], Festival Klub Katarkt [Deutschland], International's Digitalkunst Festival [Deutschland], IGNM [Schweiz] und MA/IN Intermedia Festival [Italien] und andere. Außerdem erhält/erhielt er Stipendien und/oder Förderungen von der Ernst von Simens Musik Stiftung [Deutschland], Schloss Solitude [Deutschland], Musikfond e.V. [Deutschland], DCR Neustart Kultur [Deutschland], Goethe Institut Deutschland, Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur [Deutschland], Goethe Institut Südkorea, Earl Brown Foundation [USA], Musik 21 Foundation e.V. [Deutschland], Georges Aperghis Commission Award [Griechenland], Culturele Activiteitenpremie' der Flämischen Regierung [Belgien], IGNM/ISCM/SIMC [Österreich] und so weiter.

Matthias Klos (geb. 1969) lebt und arbeitet in Wien und Niederösterreich. Ausbildung als Koch sowie Brauer und Mälzer. Studium an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg von 1993 bis 1999, Meisterschüler. Von 2002 bis September 2009 künstlerisch-wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institut für Bildende Kunst und Kulturwissenschaften der Kunstuniversität Linz, Bereich Experimentelle Gestaltung. 2010 bis 2011 Gastautor bei springerin und beim Online-Magazin artnet.de.

Zahlreiche Ausstellungen und Projekte unter anderen in folgenden Institutionen: Lentos Kunstmuseum Linz; Friedrich Kiesler Stiftung, Wien; University Galleries UC Irvine (USA), KW INSTITUTE FOR CONTEMPORARY ART, Berlin; Neues Museum, Nürnberg; Salzburg Museum, Salzburg; Kunsthalle Krems, Künstlerhaus Wien.

Matthias Klos wurde 2013 mit dem Staatsstipendium für künstlerische Fotografie des Bundesministerium für Kunst und Kultur ausgezeichnet, 2018 war er Stipendiat des Landes Schleswig-Holstein und erhielt 2021 den on the road again-Preis der österreichischen Kulturforen für Berlin.

Seine Arbeiten finden sich in den Sammlungen des Bundes, des Wien Museums, der Stadt Linz und des Salzburg Museums sowie in privaten Sammlungen.

Yulia Marfutova, geboren 1988 in Moskau, studierte Germanistik und Geschichte in Berlin und wurde in Münster promoviert. Ihr erster Roman „Der Himmel vor hundert Jahren“ stand auf der Longlist für den Deutschen Buchpreis 2021 und wurde mit dem Debütpreis des Buddenbrookhauses und dem Friedrich-Hölderlin-Förderpreis ausgezeichnet. Yulia Marfutova lebt in Boston.

Armin Schmitt, geboren 1955. Aufgewachsen in einem saarländischen Dorf am Rande des Hunsrücks. Prägend für die Kindheit waren Katholizismus, die ungeliebte Schule, das Hügelland und Arbeitermilieu, in dem er heranwuchs. Einer der Großväter war Bergmann, der andere Hüttenarbeiter, der Vater Dreher. Die Frauen besorgten den Haushalt. Durch die Einführung des BAföGs öffnete sich ihm die Tür zur Bildung, so dass er Geschichte, Germanistik und Kunstgeschichte studieren konnte. Lehrer wollte er werden, doch nach dem Studium arbeitete er zunächst im Staatlichen Konservatoramt in Saarbrücken zum Thema Industriekultur. Seither ließ ihn die Kulturarbeit nicht mehr los. Neben seiner Tätigkeit erst als Lehrer und dann als Fortbildner über drei Jahrzehnte hinweg war er u. a. Künstlerischer Leiter des Festivals schichtwechsel (1990–2003) im Weltkulturerbe Völklinger Hütte, kuratierte Ausstellungen im saarländischen Landtag und trat als Rezitator auf. Derzeit ist er als Co-Künstlerischer Leiter im KuBa – Kulturzentrum am Eurobahnhof (seit 2007) in Saarbrücken tätig. Im Laufe der Zeit sind einige Publikationen entstanden, vorwiegend in den Bereichen Industriekultur und Kunst. An zahlreichen didaktischen Veröffentlichungen hat er mitgewirkt. In letzter Zeit hat er sich gestalterisch mit der Verknüpfung von Bild und Text im Rahmen eines „Wochenbuches“ auseinandergesetzt. Prägnante Erfahrungen auf vielen Reisen finden aktuell ihren Niederschlag in einer Anthologie von Reiseminiaturen. Lebt und arbeitet in Saarbrücken.

Björn Siebert, geboren 1978 in Hamburg, lebt und arbeitet in Leipzig. Er studierte Kommunikationsdesign und Medienkunst an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe und Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig in der Klasse von Timm Rautert. Im Jahr 2010 erlangte er in der Meisterklasse von Timm Rautert und Christopher Muller seinen Abschluss als Meisterschüler. Er gewann mehrere Preise und Stipendien, u.a. 2012 den renommierten Preis für Zeitgenössische deutsche Fotografie der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung, 2013 den Otto-Steinert-Preis der Deutschen Gesellschaft für Photographie (DGPh) und 2019 den Preis der Leipziger Jahresausstellung. Seine Arbeiten wurden u.a. in der Städtischen Galerie Karlsruhe, der Städtischen Galerie & Kunstverein Speyer, dem Kunstmuseum Ahrenshoop, der Stadtgalerie Kiel, der Kunsthalle der Sparkasse Leipzig, dem Museum der Bildenden Künste in Leipzig, dem Museum Folkwang in Essen und dem Centre de la Photographie Genf ausgestellt. Seine Arbeiten sind in verschiedenen Sammlungen und Museen wie dem Museum der Bildenden Künste Leipzig und dem Museum Folkwang in Essen vertreten. Er ist Mitbegründer der internationalen Künstlergruppe darktaxa. darktaxa-project versteht sich als eine Arbeits- und Diskursplattform von Künstler*innen, die experimentell an der Schnittstelle von Fotografie und neuen digitalen bildgebenden Verfahren arbeiten.

Aylin Ünal, geboren 1986 in Berlin. Ihre Kurzprosa veröffentlicht sie seit mehreren Jahren regelmäßig in Literaturzeitschriften und Anthologien sowie im Rahmen von Literaturwettbewerben, darunter der österreichische zeilen.lauf-Wettbewerb. Lesungen und Auftritte hatte sie bislang u.a. in der Lettrétage und der Schwartzschen Villa in Berlin sowie im Berliner Radio Kultur.

Sie ist Vorstandsmitglied im Netzwerk Freie Literaturszene Berlin e.V. (NFLB) und Mitglied in der literarischen Gruppe „Haus der unbedachten Wörter“.

Neben ihrem schriftstellerischen Schaffen absolvierte Aylin Ünal ein Studium der Sozialwissenschaften an der Humboldt-Universität mit einem Studienaufenthalt in Island sowie einen Master in European Societies an der Freien Universität. Anschließend arbeitete sie mehrere Jahre als Redakteurin und Projektmanagerin und seit 2020 als Programmiererin.

In ihrer literarischen Arbeit interessiert sie sich insbesondere für starke Protagonistinnen, die nach Freiheit und Unabhängigkeit streben. Derzeit arbeitet sie an ihrem Debütroman, der sich mit den Themen Heimat und Identität befasst. Während ihres Stipendiums in Schloss Wiepersdorf möchte sie die Überarbeitung ihres Manuskripts abschließen. Ein weiterer Roman ist bereits in Planung.

Dichter, Herausgeber, Literarischer Kurator, Literaturkritiker

Geboren 1986  

Seit dem Beginn seiner literarischen Laufbahn im Jahr 2008 ist Denis Larionov bestrebt, die konventionellen Grenzen der Literatur und der Literaturkritik zu erweitern. Als Dichter und Kurator hat er intensiv mit elektronischen Musikern (PIEZO, Alex Pleninger, Sergey Kasich) und akademischen Komponisten (Sergey Nevskiy, Kirill Shirokov) zusammengearbeitet. Zudem hat er versucht, das Gespräch über zeitgenössische Literatur (insbesondere Poesie) in die Öffentlichkeit zu tragen. Während seiner Arbeit in der Abteilung für zeitgenössische russische Literatur an der Russischen Staatlichen Universität für Geisteswissenschaften (РГГУ) hielt er eine Vorlesungen über die russische Poesie der 1930er-2020er Jahre und ihre kulturellen und politischen Verbindungen mit der sowjetischen und postsowjetischen Philosophie und Kinematografie.

Im Jahr 2010 veröffentlichte er zahlreiche Essays, Rezensionen und Artikel über zeitgenössische literarische Prozesse, Poesie/Prosa-Autoren (Michail Schischkin, Nikolaj Kononow, Alexej Parschikow, Jurij Leiderman, Jewgenij Charitonow usw.) und über die Verbindungen zwischen Literatur und Kino (z. B. im Kino von Kira Muratowa). LGBTQ-Literatur ist für ihn von besonderem Interesse. Er verteidigte meine Magisterarbeit und schrieb zwei Artikel über Evgeniy Kharitonov (1941-1981), einen späten sowjetischen Autor schwuler Literatur, und erstellte eine Reihe von Interviews mit zeitgenössischen Dichtern über Genderfragen in der Literatur (https://magazines.gorky.media/nlo/2018/1/net-nevazhnogo.html).

Gemeinsam mit Kolleg:innen organisierte er im Jahr 2011 Igitur, eine Diskussionsreihe über zeitgenössische Literatur. Bei diesen Veranstaltungen analysierten sie Gedichte von Hamdam Zakirov, Yuriy Leiderman, Polina Barskova, Galina Rymbu, Alexey Prokopiev und anderen russischen Dichter:innen aus verschiedenen Ländern und Regionen.

2019 lud ihn Irina Prokhorova ein, als Kurator und Herausgeber einer belletristischen Buchreihe im „New Literary Observer“ zu arbeiten. Dort hat er Bücher von Alla Gorbunova, Oksana Vasyakina, Linor Goralik, Lev Rubinstein, A. Nune und anderen veröffentlicht.

Denis Larionov hat zwei Gedichtbände publiziert: Tod eines Studenten (2013) und Du wirst niemals von dieser Bewegung eingeholt werden (2018). In seiner Poesie versucht er, eine komplexe metaphorische Perspektive (inspiriert von Alexey Parschikow und Arkadiy Dragomoschenko) und eine soziale und kulturelle Analyse menschlicher und nicht-menschlicher Lebensformen in der heutigen Welt zu vereinen. Körper und Körperlichkeit sind die wichtigsten poetischen Konzepte in seinen Texten. Im Rahmen des Projekts „VERSschmuggel“ vom Haus für Poesie (2015) übersetzte er einige Texte des deutschen Dichters Daniel Falb.

Ausbildung

2007-2012       Russische Staatliche Sozialuniversität (Sozialpsychologe)

2012-2014       Russische Staatliche Universität für Geisteswissenschaften (Russische Anthropologische Schule, MA)

2014-2019       Postgraduiertenkurse am Institut für Philosophie (Ästhetik)

Künstlerische Tätigkeiten

2008-2009       Teilnehmer des VersLibre Festivals (Moskau, St. Petersburg)

2010-2015       Teilnehmer des Festivals für zeitgenössische Poesie, Klang und visuelle Kunst Poetronica

2012-2018       Kurator der literarischen Veranstaltungsreihe Igitur (mit Polina Barskova, Yurii Leiderman, Hamdam Zakirow, Sergey Zavjalow und vielen anderen Gästen)

2013                Tod eines Studenten (erster Gedichtband; auf der Shortlist für den Andrey Beliy's Award (2013)

2015                Teilnehmer des deutsch-russischen Lyrikprojekts „VERSschmuggel“ (mit Unterstützung des Goethe-Instituts)

2018                Du wirst niemals von dieser Bewegung eingeholt werden (zweiter Gedichtband)

Pädagogische Tätigkeiten

2013                Workshop „Literaturkritik und Lyriktext“

2016                Geste und lyrischer Text von Andrey Beliy bis Evgeniy Kharitonov (eine öffentliche  Vorlesung in der Lobachevsky State University of Nizhny Novgorod)

2017-2019       Assistent der Abteilung für zeitgenössische russische Literatur (Russische Staatliche Universität für Geisteswissenschaften)

2019-2022       Dozent in der Abteilung für zeitgenössische russische Literatur (Russische Staatliche Universität für Geisteswissenschaften)

Jurytätigkeiten

2013-2018       Schöpfer des Dichterpreises Difference (Preisträger: Oleg Juriew, Wladimir Aristow, Polina Andrukowitsch, Lida Jusupowa usw.)

2014-2017;

2020-21           Ernenner des Arkadiy Dragomoschenko-Preises

2016-2019       Mitglied des Komitees für den Andrey Beliy Award

Tätigkeiten als Kritiker

2010-2021       Literaturkritiker des „New Literary Observer“

2011-2018       Literaturkritiker und Interviewer für „Lekhaim“

2011-2012       Literaturkritiker für „Open Space“

2012-2017       Literaturkritiker und Interviewer „Colta“

Redaktionelle Tätigkeiten

2014-2018       Mitherausgeber von „L5“, einer Website für zeitgenössische Poesie

2019-2022       Redakteur und kreativer Kurator des „New Literary Observer“ (Reihe „Artistic Literature“ und „Letters of a Russian Traveller“)

Tanya Pioniker wurde 1994 in Moskau geboren. Im Alter von 17 Jahren begann sie bereits, Werke auszustellen: Im Jahr 2011 war sie die jüngste Teilnehmerin des Sonderprojekts „START“ im Winzavod Center for Contemporary Art. Im Jahr 2014 nahm sie an der Manifesta 10 teil, dem künstlerischen Programm in St. Petersburg parallel zur europäischen Biennale.

Im Jahr 2017 fand ihre zweite Einzelausstellung „XVII“ im VLADEY Space statt. Die dritte Einzelausstellung „New ABC-book“ (Gogol Center) und die Einzelausstellung von Radierungen „Seven“ (JART Gallery) folgten 2021. Zudem war sie Teil zahlreicher Gruppenprojekte, etwa bei der großen zeitgenössischen Kunstausstellung „One Family“ im Rahmen des Festivals „Cherry Forest“ (2019). 2020 stand sie auf der Shortlist der ISCP-Residenz in New York, USA. Für den ciconia x ciconia Verlag (Berlin) illustrierte sie die Bücher „Mannelig in Ketten“, 2022 (zusammen mit Ilya Danishevsky) und „Leben mit einem Idioten“, 2021 (zusammen mit Viktor Jerofejew).

Ihr aktuelles Interesse gilt dem Konzept des New Medievalism: Dies ist ein Versuch, unsere derzeitige Welt zu erfassen – die Zeit totaler Unsicherheit und weltumspannender Dynamiken.

In Schloss Wiepersdorf wird Pioniker an einem Projekt arbeiten, das sich mit Berlin und der deutschen Sprache beschäftigt.

Geboren 1960 in Charkow, Ukraine. Studium an der Repin-Kunsthochschule, Charkow, Ukraine, 1978; Polytechnische Akademie, Charkow, Ukraine, 1983. 1994 gründete er zusammen mit Boris Michailov, Sergej Salonsky und Victoria Michailova die Gruppe „Schnelle Reaktion“. 2010 erhielt er den ersten Preis des 5. Allrussischen Jahrespreises im Bereich der zeitgenössischen visuellen Kunst „Innovation“. Seit 2000 lebt und arbeitet er in Moskau, Russland. Seine Projekte wurden in Einzelausstellungen in folgenden Museen gezeigt: in der Galerie REGINA, dem Moskauer Museum für zeitgenössische Kunst, Russland; dem Pinchuk Art Centre, Kiew, Ukraine; dem Kunstverein Rosenheim, Deutschland; der Galerie Espacio Minimo, Madrid, Spanien; der Galerie Transit, Mechelen, Belgien; dem S.M.A.K. Stedelijk Museum for Actuele Kunst, Gent, Belgien; dem BALTIC Centre for Contemporary Art. Gateshead, UK; Fotomuseum. Winterthur, Schweiz; Canal de Isabel II. Madrid, Spanien; Deichtor Hallen. Aktuelle Kunst Haus der Photographie. Hamburg, Deutschland.

Zudem waren seine Werke Teil von Gruppenausstellungen, u.a.im National Centre for Contemporary Art (NCCA), Center for Contemporary Culture GARAGE, M' ARS Center for Contemporary Arts, Moskau, Russland; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, Italien; Australian Centre for Photography, Sydney, Australien; Sem-Art Gallery, Monaco; Martin-Gropius-Bau, Berlin, Deutschland; Zentrum für zeitgenössische Kunst „Schloss Ujazdowski“, Warschau, Polen; CAN, Neuchatel, Schweiz und auf den Biennalen in Venedig, San Paolo, Moskau und Rauma; Manifesta5, San Sebastian, Spanien.

Elīna Zunde arbeitet hauptsächlich in den Bereichen Zeichnung und Malerei, verwendet bisweilen aber auch Fotografie, Video und räumliche Objekte. Der sie umgebende Raum und seine Veränderlichkeit haben sie schon immer fasziniert - als Quelle von Bedingungen und Möglichkeiten. In ihrer Arbeit stellt sie den Kontakt zu dieser sich ständig verändernden Ordnung der Dinge und des Seins her und sucht nach Wegen zu einer vereinenden Landschaft.
Obwohl sie der Tradition der Darstellung z.B. in der figurativen Kunst folgt, insbesondere in den Zeichnungen, erforscht sie auch die Beziehung zwischen der Wahrnehmung und ihren Grenzen sowie der Zeichnung im weiteren Sinne.
Elīna lebt und arbeitet in Riga. Als Dozentin an der Abteilung für Zeichnen an der Kunstakademie Lettlands unterrichtet sie figürliches Zeichnen und seit 2018 einen speziellen Kurs über kontextuelle Komposition in der Zeichnung. Von 2008 bis 2012 unterrichtete sie an der Riga School of Design and Art.
Während ihres Aufenthalts in Schloss Wiepersdorf wird sie eine neue Serie entwickeln, indem sie mit Symbolen, Grundelementen in der Natur, deren Fundamentalität und deren Bezug zum Erbe verschiedener Kulturen und alter Traditionen, sowohl des Westens als auch des Ostens, arbeitet. Sie wird dabei den figuralen Ausdruck erforschen, der sich mit biomorphen Strukturen, geometrischen und architektonischen Landschaftsformationen, verbindet und diese verkörpert. Ihre Entscheidung für traditionelle Medien (Öl, Pigmente, Tempera, Pastell, Tusche) steht in engem Zusammenhang mit der erweiterten Bedeutung, die sie der Materie als Träger von Informationen und Kommunikationsstrukturen beimisst. Sie ist aber auch offen für andere Medien (Ton, Objekt), insbesondere in verschiedenen Formen des Zusammenspiels.

Mattia Aisemberg ist ein Komponist und Pianist aus Berlin. Er studiert Komposition bei Manolis Vlitakis, klassisches Klavier bei Lucas Blondeel und Musikpädagogik an der Universität der Künste Berlin. Vor Beginn des Studiums erhielt er Kompositionsunterricht bei Stefan Lienenkämper und Samuel Andreyev, sowie Jazz-Klavierunterricht bei Tim Sund.

In seiner kompositorischen Arbeit spielt die Suche nach intimen und gleichzeitig aufregenden klangfarblichen und harmonischen Kombinationen, sowie nach neuen Arten der Polyphonie, eine wichtige Rolle. Das Nachdenken über musikalische Form und Wahrnehmung und vor allem das Streben nach künstlerischer Freiheit stehen für ihn dabei immer im Vordergrund.

Für sein Stück „Les mots dans la gorge“ gewann Mattia Aisemberg den Bundespreis beim Wettbewerb „Jugend Komponiert 2022". Im darauffolgenden Jahr bekam er einen Kompositionsauftrag für das Brandenburgische Fest der Neuen Musik re-sonanz 2023.

Rahel v. Wroblewsky wurde 1964 in Ostberlin geboren. Berufsausbildung als Maschinen- und Anlagenmonteurin, Studium der Philosophie. 3 Kinder. Lebt und arbeitet als Autorin, Lektorin und Dozentin in Berlin. Seit 2021 bekleidet sie einen Lehrauftrag für Deutsch für ausländische Pflegekräfte am Berliner Bildungscampus der Charité und Vivantes.

Rahel v. Wroblewsky schreibt Prosa, Hörtexte und Essays. Veröffentlichungen in Zeitschriften, Zeitungen, Anthologien und im Hörfunk. Ihr Buch „Protokoll eines Berliner Herbstes und Winters. Liebe.Kummer.Texte“ erschien im Verlag tredition im Jahr 2017.

Sie erhielt diverse Stipendien und Preise, darunter ein Arbeitsstipendium des Berliner Senats (Aufenthalt im Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf), das Alfred-Döblin-Stipendium der Akademie der Künste undein Recherchestipendium des Berliner Senats.

Zuletzt Veröffentlichungen in der Berliner Zeitung zu Themen wie Migration, Exil und Rassismus, mit denen sie sich seit Längerem beschäftigt.

Zora Janković wurde 1978 in Ljubljana, Slowenien, geboren. Seit 2008 lebt und arbeitet sie in Berlin.

Von 1998 bis 2001 studierte sie am Istituto Europeo di Design in Rom und von 2004 bis 2008 an der Accademia di Belle Arti in Venedig. Dort schloss sie das Studium mit dem Diplom-Studiengang Bildhauerei bei Prof. Andrea Grassi ab. Von 2010 bis 2015 studierte sie an der Kunsthochschule Weißensee in Berlin und absolvierte mit dem Diplom für Bildhauerei bei Prof. Albrecht Schäffer. 2016 schloss sie als Meisterschülerin ab.

Seit 2015 ist sie als freischaffende Künstlerin tätig. Zora Janković arbeitet hauptsächlich mit den Medien Skulptur und Fotografie, deren komplexe Arbeitsprozesse den ersten Ausgangspunkt bilden. Im Vordergrund ihrer künstlerischen Auseinandersetzung stehen vor allem die dreidimensionale geometrische Ausformung, das architektonische Fragment und seine räumliche Struktur. Auch die Gegensätze zwischen offenen und geschlossenen Formen, ihre Materialität und das Verhältnis zwischen Masse und Raum, spielen in ihrer Arbeit eine wichtige Rolle. Ihre Werke sind regelmäßig in Gruppen- und Einzelausstellungen vertreten.

Geboren und aufgewachsen in Niigata, Japan, entwickelte Manami Nagahari ihr musikalisches Interesse schon früh, als sie in Schulbands Trompete und später Posaune spielte. Nach ihrem Universitätsstudium in ihrer Heimatstadt zog Manami Nagahari im Alter von 23 Jahren für ihren Bürojob nach Tokio. Dort lernte sie Kumiko Hara (1954-2005) kennen, bei der sie Gesangs- und Musiktheorieunterricht nahm. Das erweiterten den Umfang ihrer musikalischen Aktivitäten. Zu dieser Zeit begann sie auch, sich mit Musik auf ihrem Computer zu beschäftigen und zu experimentieren, und schrieb ihre ersten Songs. Einige ihrer frühen Werke, die sie zusammen mit Kenji Yamazaki geschrieben hat, sind auf Games-Industrien wie Playstations zu sehen.

Im Jahr 2006 zog sie nach Berlin. Seit dem Atomunfall in Fukushima im Jahr 2011 richtete sich ihr künstlerischer Fokus nicht nur auf die reine Kunst, sondern auch auf politische Themen und Ideen von gesellschaftlicher Relevanz. Hier wurde ihr Zugang zur Musik konzeptioneller. Ihre langjährige Zusammenarbeit mit der Heinrich-Böll-Stiftung und die Teilnahme an verschiedenen Medienkunst- und Hörspielfestivals zeigen ihr Engagement auf dem weiten Feld der experimentellen Musik. Zurzeit arbeitet sie mit klassischen Musikern in ihrer eigenen Notation und an einem Rechercheprojekt, das sie andere Bereiche des Klangs erforscht.

Dilek Mayatürk wurde 1986 in Istanbul geboren und setzte ihr Soziologie-Studium an der Alpen-Adria-Universität Klagenfurt in Österreich fort. Sie arbeitete als Dokumentarfilmproduzentin und Autorin für verschiedene Medien. 2014 erschien ihr Gedichtband „Cesaret Koleksiyonu“ (Yeniinsan Verlag), 2020 „Brache“ (Hanser Berlin) und 2021 „Bir Daha Yok Çiçeği“ (Klaros Verlag).

Dilek Mayatürks zweisprachiges literarisches Werk wurde mit Literaturstipendien von Institutionen wie dem Berliner Kultursenat, dem Schloss Wiepersdorf, dem Künstlerhaus Edenkoben, der Kulturakademie Tarabya und der Stiftung Preußische Seehandlung ausgezeichnet. Zudem erhielt sie die Cahit Sıtkı Tarancı Honourable Mention (2010), den Gürhan Uçkan Poetry Award (2015) und den dritten Platz des Kemal Özer Poetry Awards (2021).

Sie denkt, schreibt und übersetzt Poesie in zwei Sprachen. Mayatürk tritt auch mit dem multidisziplinären Komponisten Amen Feizabadi in einer anspruchsvollen Duo-Performance auf, in der Worte und Klänge miteinander in einen Dialog treten. Sie lebt in Berlin.

Shira Miron ist Doktorandin im Fachbereich für Germanistik und Literatur an der Yale University.

Im Rahmen ihrer Dissertation “Composition and Community: The Extra-Musical Imagination of Polyphony 1800/1900/1950” untersucht sie die moderne Neubetrachtung der tradierten Kompositionstechnik der musikalischen Vielstimmigkeit als ästhetisches Problem sowie auch als Denkpotenzial über den Bereich der musikalischen Bedeutung hinaus. Im Projekt werden drei historische Knotenpunkte vom Ende des 18. Jahrhunderts bis hin zur zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts verortet, wobei sich die aufschlussreichen Folgerungen der expliziten und impliziten Diskursivierung von Polyphonie für das Verständnis von Form, Kommunikation und Gesellschaft nachverfolgen lassen. Aus der Perspektive dieser Long Durée skizziert die Studie eine allmähliche Umkehrung des Verhältnisses zwischen „Komposition“ und „Gemeinschaft“ im unmittelbaren Zusammenhang mit Polyphonie als Idee sowie auch als Technik. Zu diesem Zweck werden ausgewählte Texte, unter anderem von Baumgarten, Koch, Diderot, Rousseau, Simmel, Weber, Schonberg, Adorno, Broch, Boulez und Bachmann, in einen neuen Dialog gebracht.

Erste Ergebnisse der Forschung erschienen bislang in der Wiener Digitale Revue. Weitere Veröffentlichungen erschienen oder sind am Erscheinen begriffen, so etwa im Yearbook for European Jewish Literature Studies, dem Kleist-Jahrbuch sowie der New German Critique.

Vor Aufnahme in das Promotionsprogramm an der Yale University absolvierte Shira Miron ein Instrumentalstudium Klavier an der Jerusalem Academy of Music and Dance mit dem Abschluss Master of Music (M.Mus). Anschließend studierte sie Germanistik an der Hebräischen Universität und der Freien Universität Berlin, wo sie mehrere Forschungsstipendien erhielt.

Während ihres Aufenthalts in Wiepersdorf wird Shira Miron sich hauptsächlich auf die romantische Kunstlehre, einem zentralen Aspekt ihres Dissertationsprojekts, konzentrieren. Durch eine intensive Auseinandersetzung mit verschiedenen kunstphilosophischen Themen und Schriften wird sie der facettenreichen theoretischen Funktion, die der musikalischen Mehrstimmigkeit in der Frühromantik zugeschrieben wird, im Hinblick auf Subjekt, Objekt und Intersubjektivität nachgehen.

Barbara Schnalzger studierte Europäische Kulturgeschichte in Augsburg und Wien. Im Anschluss daran zog sie 2006 nach Leipzig. An der Universität Leipzig und an der Universität Wroclaw/Polen absolvierte sie den Studiengang European Studies.

2008 war sie Mitbegründerin des feministischen Redaktionskollektivs „oustide the box – Zeitschrift für feministische Gesellschaftskritik“. 2009/2010 arbeitete Barbara Schnalzger als Kulturredakteurin bei Radio Târgu Mureș, Rumänien. Zurück in Deutschland war sie am Institut für Hochschulforschung in Lutherstadt Wittenberg im Rahmen des „Bundesberichts Wissenschaftlicher Nachwuchs“ tätig, bevor sie 2015 Geschäftsführerin der Leipziger Feministischen Bibliothek und Archiv MONAliesA wurde. Seit 2020 ist sie Doktorandin am Institut für Kulturwissenschaften an der Universität Leipzig. Im Rahmen ihrer wissenschaftlichen Arbeit war sie 2022 Hannelore-Mabry Stipendiatin am Institut für Zeitgeschichte in München.

Barbara Schnalzger ist Mitglied im Arbeitskreis Historische Frauen- und Geschlechterforschung sowie Teil der Archive- und Bibliothekenvernetzung des „i.d.a.-Dachverbands aller deutschsprachigen Lesben-/ Frauenarchive, -bibliotheken und -dokumentationsstellen“. Sie publiziert regelmäßig in der „outside the box“. Darüber hinaus veröffentlicht sie Fachartikel zur Frauen(bewegungs)geschichte. In ihrer Promotion beschäftigt sie sich mit Geschichte und Bedeutung der deutschsprachigen Lesben-/ Frauenarchive und -bibliotheken aus wissensgeschichtlicher Perspektive.

Vitalii Cherepanov wurde 1990 in Nizhny Tagil, Russland, geboren. Er begann ein Studium an der Fakultät für Kunst und Grafik an der Sozialpädagogischen Akademie Nizhny Tagil, brach dieses jedoch ab.

In seinen interdisziplinären künstlerischen Projekten arbeitet er regelmäßig mit Anna Cherepanova zusammen. In der künstlerischen Arbeit untersuchen Anna Chereponova und Vitalii Cherepanov das Zusammenspiel von Kunst, Wissenschaft und Philosophie und nutzen dabei verschiedene Medien und Disziplinen. Ihr Fokus liegt auf der Entwicklung von Projekten als Testmodelle für kritische Interaktionen mit der Umwelt und der Erforschung der Anwendungsmöglichkeiten künstlerischer Gesten. Sie betrachten die Welt als Quelle gleichberechtigter Kollaborationen zwischen verschiedenen Willen und Substanzen, ein Konzept, das sie "Park Volny" nennen.

Ihre multidisziplinäre Arbeit umfasst kollektive Performances, Street Art, digitale Kunst, Installationen, Videokunst, Musikproduktion, Bühnenbildgestaltung, Skulptur und Malerei.

Vitalii Cherepanov und Anna Cherepanova leben in der EU und arbeiten sowohl gemeinsam als auch unabhängig voneinander unter verschiedenen Pseudonymen wie Cick in Dunt, Shaboffice und Infinite Private Sector. Ihre Werke sind sowohl in privaten Sammlungen als auch in öffentlichen Sammlungen wie der Staatlichen Tretjakow-Galerie und den Staatlichen Museen für Bildende Künste in Jekaterinburg und Nizhny Tagil vertreten.

Sie erhielten mehrere Stipendien und Auszeichnungen, darunter das "Summer School of Social Engage Art" Stipendium in Zürich und das "Furka Retreat Residence" Stipendium in der Schweiz im Jahr 2023. 2022 erhielten sie ein Reisestipendium vom Goethe-Institut für das Projekt "Theater under the cameras" und ein Aufenthaltsstipendium des NCCA in Jekaterinburg.

Mit Einzelausstellungen wie "Interessence relationships" in Zürich, "Park Volny. Terminal Zhukowsky" in der Anna Nova Galerie in St. Petersburg und "Flow in" in der Galerie "On space" in Kiel, sind ihre Arbeiten europaweit vertreten. Ihre Werke wurden auch in Gruppenausstellungen wie "Mental landscapes" in Berlin und "Excavation work in Progress" in Jekaterinburg gezeigt.

Ihre künstlerischen Projekte wurden in verschiedenen Publikationen vorgestellt, darunter im Calvert Journal und auf verschiedenen Online-Plattformen.

Igor Tereshkov, geboren 1989 in Energodar, Ukraine, ist ein multidisziplinärer Künstler, visueller Forscher und Dokumentarfotograf mit Sitz in Montenegro.
Er arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Installation, Performance, Dokumentarfotografie und postdokumentarische Fotografie, und experimentiert mit verschiedenen Fotoprozessen und alternativen Entwicklungsmethoden. Er studierte 2017 Dokumentarfotografie und Fotojournalismus an der School of Modern Photography Docdocdoc in Sankt-Petersburg (Russland), 2019 beendete er das Studium in "Experiences of Contemporary Photography".

Tereshkov erhielt mehrere Preise und Stipendien, war auf der Shortlist und nominiert für eine Reihe von Auszeichnungen, stellte aus und veröffentlichte weltweit. Unter anderem erhielt er für seine Arbeit "Oil and Moss" 2019 den Project Launch Grant von CENTER Awards (USA), wurde 2020 für den Prix HSBC pour la Photographie (Frankreich) nominiert und wurde 2021 in den Kreis von FOAM TALENT (Niederlande) aufgenommen. Im Jahr 2022 wurde die Serie Oil and Moss im Documentary Photographic Center - ImageSingulières (Sete, Frankreich) ausgestellt. Seine aktuelle Arbeit "Red Heat" wurde 2022 im Schwab Museum (Biel/Bienne, Schweiz) im Rahmen der Bieler Fototage ausgestellt.

Darja Linder, geboren 1992 in Russland, aufgewachsen in Düren, NRW, lebt und arbeitet derzeit in Saarbrücken.

Ihre figurativen Malereien sind gespickt mit visuellen Codes, die sich auf die Erfahrungswelt ihrer Generation beziehen - von Dating Apps über Fernsehserien bis hin zu Internetphänomenen, wie der „Cringe Culture“. Die farbintensive und schrille Ästhetik spielt mit der spätkapitalistischen Sehnsucht nach Übersättigung und Überfluss.

Sie wirkt jedoch als doppelter Boden, hinter dem sich häufig schmerzhafte Themen verstecken. Es werden Fragen aufgeworfen zu Klasse, Geschlecht oder Migration. Linder beobachtet die Zusammenhänge zwischen politischen (Macht-) Strukturen und individuellen Begierden und untersucht in ihren Arbeiten, wie diese Begierden tief in unsere Identitäten hineinreichen.

In ihrem aktuellen Projekt „PostOstBestWest“ untersucht sie multimedial das Gefühl der Entwurzelung und die doppelte Fremdheitserfahrung, die sie mit denjenigen teilt, die als Kinder aus der ehemaligen UdSSR nach Deutschland übersiedelten, den „Mitgenommenen“.

Die Gemälde und Audioarbeiten quellen über vor Sinneseindrücken und westlicher Popkultur, genauso wie die ersten Momente in Deutschland. Die Arbeiten schaffen bittersüße Bildwelten zwischen Kapitalismus und Sozialismus, zwischen Trauma und Realitätsflucht, zwischen Gewalt und verlorener Kindheit, zwischen Unsicherheit und Selbstbestimmung.

Shachar Magen ist Absolvent der Film- und Fernsehschule der Universität Tel Aviv. Er arbeitete als Redakteur der Kulturredaktion von Ynet und führte Regie bei den Dokumentarfilmen The mother of the Gevatron, Life Stories und Strange Death. Im Jahr 2006 veröffentlichte der Verlag Keter seinen ersten Roman Black Slaughter, der für den Sapir-Literaturpreis nominiert wurde.

Er ist der Schöpfer und Hauptautor der täglichen Dramaserie Exposes sowie der Dramaserie The Prime minister's children und Drehbuchautor der Serie The Accursed von Hagai Levy. Im Jahr 2014 wurde seine Thrillerserie Sirens veröffentlicht. Die Serie befasst sich mit dem Mythos der Sirenen und umfasst drei Staffeln. Sie wurde ins Russische übersetzt und derzeit für das US-amerikanische Publikum vorbereitet. Außerdem schrieb und kreierte er Possessions, eine französische und israelische Serie, die 2020 erstmals auf Canal plus und Yes TV ausgestrahlt wurde. Er schrieb die Serie gemeinsam mit Valeire Zanatti, sie wurde von Thomas Vincent („Bodyguard“, BAFTA-nominiert) inszeniert und in Israel auf Französisch, Hebräisch und Englisch gedreht. Die Serie wurde von den französischen Kritikern (Syndicat Francais) als beste Fernsehserie ausgezeichnet und zudem auf HBO Max ausgestrahlt. Im Jahr 2023 wurde sein zweiter Roman, „Land der Klöster“, veröffentlicht. Das Buch wurde für den Sapir-Preis für Literatur (Longlist) nominiert. Es wird für eine Fernsehserie adaptiert, in einer Koproduktion von Hot und Paramount Plus, die in Israel und den USA ausgestrahlt wird.

Matthias Nawrat wurde 1979 in Opole/Polen geboren und emigrierte mit seiner Familie Anfang 1989 nach Bamberg in Oberfranken. Er studierte Biologie in Heidelberg und Freiburg im Breisgau, danach literarisches Schreiben am Schweizerischen Literaturinstitut in Biel. Er arbeitete als freier Wissenschaftsjournalist. Seit 2012 lebt er als freier Schriftsteller in Berlin. Er veröffentlichte Erzählungen, Essays, Auszüge aus seinem Tagebuch und die Romane „Wir zwei allein“ (2012), „Unternehmer“ (2014) „Die vielen Tode unseres Opas Jurek“ (2015), „Der traurige Gast“ (2019) sowie „Reise nach Maine“ (2021). 2022 erschien sein erster Gedichtband „Gebete für meine Vorfahren“ und 2024 „Über allem ein weiter Himmel – Nachrichten aus Europa“, eine Sammlung von Reiseessays. Für seine Bücher erhielt er unter anderem den Literaturpreis der Europäischen Union und den Fontane-Literaturpreis der Stadt Neuruppin und des Landes Brandenburg.

Das Residenzprogramm „Aus der Ferne gesehen - Begegnungen in Brandenburg“ ist ein Kooperationsprojekt des Brandenburgischen Literaturrats und des Literarisches Colloquium Berlin. Es findet statt im Rahmen von „Welten verbinden – Kulturland Brandenburg 2024/2025“. Kulturland Brandenburg 2024/2025 wird gefördert durch das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kultur sowie das Ministerium für Infrastruktur und Landesplanung des Landes Brandenburg. Mit freundlicher Unterstützung der brandenburgischen Sparkassen und der Investitionsbank des Landes Brandenburg.

Jeanna Kolesova, geboren 1988 in Moorland Village, Russland, ist Künstler:in, Filmemacher:in und Forscher:in. Kolesova arbeitet überwiegend mit bewegten Bildern, Performance, Web, Installation und Text. Kolesovas Arbeiten reflektieren die Manipulation von Geschichte und Informationen sowie den Einfluss imperialer Technologien auf menschliche und nicht-menschliche Körper und Landschaften.

Jeanna Kolesova studierte Dokumentarfilm und Fotografie in St. Petersburg, interaktive Medien am California Institute of the Arts und experimentellen Film und neue Medien an der Universität der Künste Berlin. Kolesovas Arbeiten wurden auf dem Fotograf Festival in Prag (2024), im Berliner Ringtheater (2024), im Kunstraum Kreuzberg (2024), in der nGbK in Berlin (2023), beim EMOP Berlin (2023), auf der HYBRID Biennale in Dresden (2022), in der Kunsthalle Baden-Baden (2021) und im Museum für Fotografie in Berlin (2021) ausgestellt.

Jeanna Kolesova wurde 2024 mit einem KUNSTFONDS-Stipendium und 2023 mit dem Karl-Hofer-Stipendium ausgezeichnet. Im Jahr 2024 nahm Kolesova am Berliner Goldrausch-Künstlerprogramm teil. Kolesova gehört verschiedenen künstlerisch-politischen Gruppen an.

Gerhardt Müller-Goldboom wurde in London geboren und wuchs in Berlin auf. Dort studierte er Komposition, Musikwissenschaften und Kontrabass. Er begann seine musikalische Laufbahn nach einer Stipendiatszeit an der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker zunächst als Instrumentalist und war einige Jahre Mitglied des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin. Heute arbeitet er als Komponist und Dirigent.

Seine Werke wurden auf internationalen Festivals Neuer Musik aufgeführt, das AKO-Studio in Tokyo und das Experimental Intermedia Festival New York widmeten ihm Porträtkonzerte. Die Werkliste umfasst Kompositionen für herkömmliche Instrumente in verschiedensten Besetzungen sowie elektronische Realisationen. Aktuell schreibt er eine Oper auf der Grundlage der Metamorphosen Ovids.

Der Dirigent Müller-Goldboom mit Erfahrungen als Assistent Kent Naganos widmet sich hauptsächlich der Gegenwartsmusik und brachte zahlreiche Werke zur Ur- und Erstaufführung. Er ist Mitbegründer und seither Leiter des Ensembles work in progress – Berlin und dirigierte als Gast zahlreiche Formationen im In- und Ausland. Internationale Beachtung fanden seine Opernaufführungen mit Pousseurs „Votre Faust“ und Marc Andrés „…22,13…“. Auch älterer Musik gilt sein Engagement. So leitete er als erster deutscher Dirigent 2019 das Holocaust Memorial Concert des Jerusalem Symphony Orchestra u.a. mit Werken von Joseph Haydn und Gustav Mahler.

Dorothee Schabert ist Komponistin und Autorin. In Freiburg studierte sie Geschichte, Philosophie, Germanistik und schloss diese mit einem Staatsexamen im Jahr 1977 ab. 1985 folgte der Diplomabschluss an der HdK Berlin Musik im Bereich der Tonmeisterei inklusive kompositorischer Fächer. Auf eine Phase freiberuflicher Engagements und paralleler Familiengründung führte sie 1992 die Festanstellung als Tonmeisterin für SWR2 Musik nach Baden-Baden. Hier war Dorothee Schabert für Produktionen für Rundfunk und CDs verantwortlich mit dem SWR-SO unter namhaften Dirigent*innen und bekannten Solist*innen, Kammermusik und vor allem zeitgenössischer Kompositionen. Mit dem Experimental-Studio des SWR und dessen Leiter André Richard produzierte sie die elektro-akustischen Werke von Luigi Nono für SACD und Rundfunk.

Parallel entstanden Kompositionen für Instrumente und Stimmen in diversen Besetzungen. Dorothee Schabert erhielt Aufträge u.a. von Ensemble Aventure, Capella de la Torre, Mitglieder des SWR-SO, akusmatische Werke und Klanginstallationen. Sie arbeitet regelmäßig in Kooperation mit Künstler*innen anderer Kunstsparten. Ihre Kompositionen wurden in Karlsruhe, Freiburg, Köln, Darmstadt, Rom, New York etc. aufgeführt. Sie produzierte eine CD Aufnahme mit dem Ensemble Resonanz, HH.

Dorothee Schabert konzipiert und veranstaltet gemeinsam mit der Klarinettistin M. Schulz die Reihe "Salon pour ... ", in der sie Komponistinnen der Vergangenheit im Dialog mit zeitgenössischen präsentieren. Sie hält Vorträge und schreibt Essays zu zeitgenössischer Musik, insbesondere Raum und räumliche Ästhetik. Schabert erhielt 2020 ein Stipendium der Dt. Akademie Rom (Villa Massimo) in Olevano.

Luna Ali, geboren 1993 in Syrien, studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis in Hildesheim, Literarisches Schreiben am Deutschen Literaturinstitut Leipzig und Anthropologie an der Universität Leipzig. Sie arbeitete als Autorin u. a. an Produktionen an den Schauspielhäusern Düsseldorf, Dortmund, Hannover sowie in Berlin. Im Jahr 2023 erhielt sie das Arbeitsstipendium für deutschsprachige Literatur der Berliner Senatsverwaltung. 2024 erschien ihr Debütroman „Da waren Tage“ bei S. Fischer. Sie lebt in Berlin.

Tabea Lamberti ist Literaturwissenschaftlerin. Nach dem Studium an der Otto-Friedrich-Universität Bamberg (Bayrisches Staatsexamen für das Lehramt an Gymnasien/ Bachelor/ Master; Germanistik/Kunstgeschichte/Geschichte) arbeitete sie als Galeriemanagerin in einer Kunstgalerie in Leipzig. Von Oktober 2021 bis Dezember 2024 war sie Kollegiatin am DFG-Graduiertenkolleg Modell Romantik in Jena. In ihrer Doktorarbeit untersucht sie die Romantikrezeption Christa Wolfs.  

Während des Studiums war sie Leiterin der studentischen Zeitschrift Rezensöhnchen und Mitherausgeberin der Literaturanthologie fortississimo. Bamberger Edition Junger Texte. Ihre Abschlussarbeit wurde 2020 mit dem Gendersonderpreis für Studentinnen mit hervorragenden Leistungen der Otto-Friedrich-Universität Bamberg ausgezeichnet. Seit 2022 ist sie Mitglied von #breiterkanon | Kanondiskussionen in Literaturwissenschaft, Feuilleton und auf dem Buchmarkt (geleitet von PD Dr. Martina Wernli). Im Rahmen ihrer Dissertation setzt sie sich mit poetologischen und ästhetischen Fragen weiblicher Autorenschaft sowohl in der Romantik als auch in der DDR auseinander. Darüber hinaus zählen Gender/ Queer Studies, (postmigrantische) Gegenwartsliteratur und autosoziobiographisches Schreiben zu ihren Forschungsinteressen.

Lukas Zittlau wurde 1995 in Berlin geboren. Nach längeren Auslandsaufenthalten in Ecuador und Tadschikistan begann er 2015 ein Studium der Politikwissenschaft in Marburg, das er an der Uni Roma Tre weiterführte. 2018 wechselte er für den Master „Religion und Kultur“ an die Humboldt-Universität in Berlin. Er arbeitete währenddessen unter anderem am Fließband in Wolfsburg, als Getränkeverkäufer im Fußballstadion und als Kartenabreißer an der Volksbühne am Rosa Luxemburg-Platz. Zuletzt publizierte und produzierte er auch für die jungle world und den rbb. Seit 2023 promoviert er an der Fakultät für Literaturwissenschaft über die intellektuelle Biographie des Philosophen Wolfgang Heise.

In seiner Dissertationsschrift versucht Lukas Zittlau, Heises Denkbewegung aus der Spannung zwischen kommunistischer Überzeugung und praktischer Desillusion nachzuvollziehen. Vor allem verfolgt er aber das Ziel, anhand von Heises philosophischer und literaturhistorischer Produktion dessen kreisendes, immer neue Widersprüche integrierendes Denken neu aufzuschließen.

Heises immerwährende Suche nach Wahrheit in der Kunst spielte sich auch in Wiepersdorf ab: Hier stieß der Philosoph und Ästhetiker auf ein „Netzwerk von Freundschaften, das in keinem künftigen Geschichtsbuch erwähnt werden wird, das sich aber über das ganze Land erstreckte und uns leben half“, wie Christa Wolf es ausdrückte. Dieses Netzwerk zu vergegenwärtigen ist die Aufgabe, die sich Lukas Zittlau für seinen Aufenthalt in Wiepersdorf gestellt hat.

Priya Kumari, geboren in Indien, ist Doktorandin und Senior Research Fellow am Zentrum für Germanistik der Jawaharlal Nehru University, Indien.  Sie absolvierte ein Bachelor- und ein Masterstudium in deutschsprachiger Literatur. Ihr Forschungsinteresse liegt an der Schnittstelle von Kultur- und Literaturwissenschaft, schwarzer und afrodeutscher Literatur, Erinnerung, Schuld, Identität und Anerkennungspolitik in deutschsprachigen literarischen und kulturellen Produktionen und literarischer Übersetzung. Ihre Magisterarbeit schloss sie mit dem Titel „Identitäts- und Kulturkrise in Lucia Engombes Autobiographie Kind Nr. 95. Meine deutsch-afrikanische Odyssee“ ab.

Ihr Dissertationsprojekt mit dem Titel „Die Politik der Identität, Anerkennung und Integration in der ausgewählten Schwarzen-Deutschen Literatur“ beschäftigt sich mit der Kulturtheorie von Ähnlichkeit und Differenz in Hinblick auf Erinnerungspolitik, koloniale Amnesie, Dekolonisierung, Integration und transkulturelle Identität Schwarzer Deutscher in der deutschen Gesellschaft. Sie bekam ein Baden-Württemberg Stipendium (2020) für ihren Forschungsaufenthalt an der Universität Konstanz; sie nahm an der DAAD University Summer School-HSK 2017 am Institut für Internationale Kommunikation e.V. in Berlin (IIK Berlin) und an internationalen Sommerschulen an der Universität Bielefeld teil (2017-2018).

Für die Übersetzung von Mascha Kalékos Gedicht Heimweh, wonach? ins Hindi [Viyog, Kis Griha Ka?] wurde sie 2018 von der Goethe Society of India mit dem „Best Translation Prize“ ausgezeichnet. Im Rahmen des Postdoc-Symposiums „Ähnlichkeit als theoretisches Paradigma und ästhetische Praxis“ (2024) am Centre of German Studies, JNU, Indien, nahm sie als Organisatorin eines Workshops teil und stellte ihre Forschungsarbeit vor.

Paula Müller wurde 1977 in Trier geboren und lebt zur Zeit in Berlin. Sie studierte freie Kunst an der Kunstakademie Münster bei Prof. Ulrich Erben und später bei Prof. Daniele Buetti, bei dem sie ihr Studium 2007 als Meisterschülerin abschloss. Die kontinuierliche Arbeit als wissenschaftliche Zeichnerin für Archäolog:innen im In- und Ausland (z. B. LWL Münster, Université de Genève) vertiefte die dokumentarische Methode des Zeichnens, die zu einem zentralen Element ihrer künstlerischen Arbeit wurde.

Paula Müller schafft neue Räume durch Wandzeichnungen, in die sie eigene Bilder installiert, die miteinander und mit dem Raum in Dialog treten. Ihre Arbeiten verbinden Zeichnung und Malerei zu einer bildnerischen Sprache, die Fragen, Gedanken und Aphorismen visuell erfahrbar macht. Die vielfältigen Ausdrucksformen ähneln Fundstücken, die ihre Herkunft selbst dokumentieren. Das Suchen und Fragen bildet den Antrieb und die Inspiration ihres künstlerischen Schaffens.

Von 2008 bis 2012 lebte und arbeitete Paula Müller in Städten wie New York (Arbeitsstipendium Kunststiftung NRW), Brüssel und Genf. Ihre ortsbezogenen Arbeiten präsentierte sie in zahlreichen Museen und Galerien in Deutschland, Belgien, den USA, Italien, den Niederlanden, Spanien, Österreich, Luxemburg und Russland. Dabei setzte sie sich immer wieder mit bildnerischen Fundstücken und Momentaufnahmen auseinander.

Seit 2013 nimmt die Lehrtätigkeit eine relevante Rolle in ihrem künstlerischen Wirken ein. Sie unterrichtete unter anderem „Visuelle Feldforschung“ an den Staatlichen Museen zu Berlin in Kooperation mit der TU Berlin und der Humboldt-Universität (2013–2018). Von 2018 bis 2020 leitete sie den Bereich Bildung und Vermittlung an den Museen Stade, wo sie innovative Programme zur Kunstvermittlung entwickelte.

Marion Cziba, geb. 1973 am Rhein, studierte von 2012 bis 2018 Freie Kunst an der Hochschule der Bildenden Künste Saar (HBKsaar) bei Prof. Daniel Hausig, Prof. Katharina Hinsberg und Prof. Georg Winter und schloss 2020 ihr Meisterstudium ab.

Sie ist Preisträgerin des Peter und Luise Hager-Preises (1. Platz), wurde ausgezeichnet mit dem Residenzstipendium Artmix10 des Kultusministeriums Luxemburg und der Landeshauptstadt Saarbrücken, mit dem Deutschland-Stipendium und einem Stipendium der Stiftung Kunstfonds im Rahmen Neustart Kultur. Beteiligt an zahlreichen Ausstellungen, wie etwa „Kunst trotz(t) Corona“ im Landtag des Saarlandes, dem „International Light Art Award“ im Zentrum für Lichtkunst Unna und der Landeskunstausstellung „Saarart11“, hatte sie außerdem Einzelausstellungen in verschiedenen Kunstvereinen wie etwa dem Saarländischen Künstlerhaus und der Galerie Junge Kunst Trier. Zwei Jahre kuratierte sie die „Kunstkapelle im Cusanushaus“, arbeitete drei Jahre in der Hochschulgalerie der HBKsaar unter Leitung von Prof. Matthias Winzen und hatte 2019 einen Lehrauftrag.

Marion Cziba lebt und arbeitet in Saarbrücken. Sie ist Mitglied im Saarländischen Künstlerhaus und engagiert sich seit 2024 für die regionale Kunstszene im Vorstand des Saarländischen Künstlerbundes, für den sie mit „Living in a box“ erstmalig ein performatives Ausstellungsformat kuratierte.

Ursula Knoll, geboren 1981 in Wien, promovierte in Germanistik an der Universität Wien und wurde am Burgtheater Wien und bei den wiener wortstaetten zur Dramatikerin ausgebildet. Längere Forschungsaufenthalte in Bishkek, Washington DC und Prag folgten. Ihre Theaterstücke sind bei den Verlagen Schultz&Schirm, Hartmann&Stauffacher und Kaiser Verlag erschienen.

2022 erschien ihr Debütroman „Lektionen in dunkler Materie“ beim Verlag Edition Atelier, der 2023 den Bloggerpreis für Literatur gewann. 2025 folgte der Roman „Zucker“, der mit dem Theodor-Körner-Preis ausgezeichnet wurde. 2023 erhielt sie das LiterarMechana Stipendium. 2021 war sie Stipendiatin bei der Tour des Textes (NIDS Berlin / Theatertexter:innen München / wiener wortstaetten). 2010 war sie Raoul-Hilberg-PhD-Stipendiatin am United States Holocaust Museum in Washington DC, 2009 erhielt sie das Thomas-Bernhard-Stipendium vom Landestheater Linz.

Bettina Gärtner wurde 1962 in Frankfurt (Main) geboren, lebt seit früher Kindheit in Wien. Studierte da Jus und Geschichte nicht zu Ende, kurz auch Journalistisches, danach Ausbildung und Selbstständigkeit in Grafik und Herstellung.

Bettina Gärtner begann 2008 in Literaturzeitschriften zu veröffentlichen und erhielt vom bm:ukk ein Staatsstipendium für Literatur für die Arbeit am Roman Unter Schafen (2015), dem dann vom Bundeskanzleramt Österreich die AutorInnenprämie 2015 für besonders gelungene Debüts zuerkannt wurde. Die Arbeit am Roman Herrmann (2020) wurde u. a. durch ein Projektstipendium Literatur des Bundeskanzleramts unterstützt.

Zuletzt veröffentlichte sie vor allem Essayistisches, darunter die Egofiles 01 bis 04 oder Jedermanns Sache (Sehr geehrter Hater).